Din Åsna – interactive sculpture Acrylic paint on oak beams, hinge, angle iron 55×65 cm Raw fabric, acrylic paint, 150×5 cm, including various formats
Bergsfogden, Stockholm 14-18 October 2024
Din Åsna is an interactive sculpture that combines an easel-like wooden frame and dyed strips of raw fabric, used to dress and decorate the frame. The frame can be transformed into a beach chair or placed on its side to serve as a base for building a hut with the strips. By attracting physical participation, those who interact become the artist, viewer, and artwork—all at once.
With the resilience of a donkey, the frame redirects labor to pleasure. It promotes play by continuously moving on to the next. Play represents activities we enjoy and choose freely. However, when play transforms into a duty, demanding discipline and resembling labor, we would rather do something else. Put differently, anything we “rather not do” feels like work.
Din Åsna entertains both adults and children. Because the lightweight sculpture is on the floor, it is easily accessible for children. For adults, there is an opportunity to let go, play, and reconnect with other children or their own inner child.
Din Åsna was documented by the visitors on a social media platform. Those who have not had the opportunity to send images are welcome to email them instead: melodypanosian(at)gmail(dot)com
The atelier house is situated in Ulleråker, the former mental hospital (called the Asylum) in Uppsala, Sweden.
Sick and tired of the atrocities happening in since long occupied Palestine, I hung the Palestinian flag on the facade of our atelier house. I was expecting nothing but hoping to evoke clear cut steps towards solidarity with the Palestinian people. I hung also an abstract paper version of the flag; A negative of the original flag inside the atelier house.
As an Armenian, I know that it is the documenting of a genocide that makes genocide what it is. What it is.
When we as witnesses look away, displacement and genocide can take place without a trace. The efficiency of genocidal idea, apart from the killing of intellectuals, is ending woman and children’s lives. Children are the very seedlings of the landscape and the crops of its people. The people left behind with generational trauma.
The following day we received an email from the landlord saying we should remove the flag ASAP. Unfortunately the email did not state why we ought to remove it.
Upon arrival I found the flag next to the trash and the abstract version of the flag left on the floor facing my atelier door. Little did I know, a neighboring artist had removed it. I confirmed this in conversation with the landlord.
According to a fascistoides Gedankengut people have audacity to destroy art.
Despite making an active choice but the artist has not yet admitted to the removal. Furthermore, an artist asked me to remove even more art in the corridor of my atelier in a paternalistic manner.
I would like to ask the artist the following;
How come the Ukrainian and the Swedish flags in our atelier corridors are OK?
Can you see yourself in the genocide of the Palestinians?
It doesn’t matter that the genocide of the Palestinian people is the most well documented genocide in the history of humanity. Unlike Ukrainians, Palestinians are not a “perfect victim”, not white.
I now have hung the flag from inside the window facing the landscape, looking out of its imprisoning “home”. Visible from the outside but still unsafe and propelled into exulansis.
A collaboration between Amina Seid Tahir (Live-Voice, Synthesizer, Musical Archive) and me (Text, Live-Voice, iPad, Musical Archive). We both dug into our musical archives as well as learned new music apps/programs. The pillow workshop was accompanied by our live-music. The visitor invited to fill a tote bag with cut up mattresses, seal it with needle and thread and paint on it, create a portable pillow. The guided live-meditation a mix of guided hypnosis, spoken word, singing and voice samples.
The meaning of healing and becoming whole has varied in different periods of our lives. It is difficult to define healing, it is a constant force, then changes its formulation and intensity, turning into personal presence and rest. Healing and rest is a political act in a society in which we are expected to “stay on the grind”. Only when we take a break and give ourselves time to reflect, dream and look at ourselves beyond what we perform we realise the value of just being.
Windy
Improvised jam on prepared piano
2019 @ Kunstverein Röderhof Harz/Germany
Prepared piano
Self-made instruments:
Timpani mallet (Aluminium foil/Nut/Steel)
Out-dated „Singer“ lamp part that has been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium)
Piezo microphone
Attachable speaker on steel plate (40 cm x 25 cm).
x2 Attachable speakers on piano
iPad, Music Apps: Samplr, Borderlands, AUM
Mixer: Behringer XENYX UFX1204
Speaker System: DAVE 10G3
Sound/video editing: David Hamer Atlas
Danke: Jeanette Brabenetz, Kunstverein Röderhof, Huysburg Monastery, Woman In Exile & Friends, Nadia Ibrahim, Untraining The Ear Days/Workshops, Snorri Karlsson, Hiltrud Blaier, Sven Heinrich, NASA Fackas und der Milchstraße, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Jan T Sutter, Yunuen Rhi, Uwe Gellner, Michael Schlorke, Dirk Apitz, David Hamer Atlas
A collection of 4 improvised ambient soft-drone jams in the cellar vault of Kunstverein Röderhof / the former brewery of the Huysburg Monastery
/ a site specific in S. Hohmann’s Obstbau for “Künstler-Museum”
I was researching change and spirituality (versus continuity). The cellar vault like any other big space, contains more spirituality, even if only symbolically, the objects interact and become as one. I was exploring the total absorption in the love of God, in this process of conversing with God, I also started to edit my political love poems. I was partaking in the regular masses in the nearby monastery Huysburg. I wanted to explore with dronal sound-scapes, the depths of a single instrument tone, pulsating elongated sustained tones in a physical space akin to the churches can transform the state of unsettledness of a racialized female body into a real and safe home. I believe that a free and fearless body in space is a statement.
Self-made instruments:
Piezo microphone on metal door
Attachable speaker on steel plate (40 cm x 25 cm)
x2 Attachable speaker on aluminium plate (65 cm x 84 mm).
Melodica
Organ with local stones as weights
iPad, Music Apps: Samplr, Borderlands, AUM
Mixer: Behringer XENYX UFX1204
Speaker System: DAVE 10G3
Sound/video editing: Dirk Sebastian Johann Apitz
Danke: Jeanette Brabenetz, Kunstverein Röderhof, Huysburg Monastery, Woman In Exile & Friends, Nadia Ibrahim, Untraining The Ear Days/Workshops, Snorri Karlsson, Hiltrud Blaier, Sven Heinrich, NASA Fackas und der Milchstraße, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Jan T Sutter, Yunuen Rhi, Uwe Gellner, Michael Schlorke, Dirk Apitz, David Hamer Atlas
AUFRUF ZUR TEILNAHME was a call for participation on European Neighbours’ Day May 24th 2019 at Lindenauer Markt, Leipzig.
With a sort of flashmob, we wanted to stand upright and share a poem from Twitter by reading aloud. The poem is from Lawen Mohtadi’s Twitter post „Måndagsdikt“ (Monday poem) posted on Dec 9th 2013.
Direction & translation into German and English by me.
—
1. Ich bin ein Einwanderer. Die Liebe meines Lebens ist Einwanderer. Meine Eltern sind Einwanderer. Meine Geschwister sind Einwanderer.
/ I’m an immigrant. The love of my life is an immigrant. My parents are immigrants. My siblings are immigrants.
2. Meine Schwägerin und geliebte Freundin ist Einwanderer. Meine besten Freunde sind Einwanderer. Meine Bekannten sind Einwanderer. Meine Kollegen sind Einwanderer.
/ My sister-in-law and beloved friend is an immigrants. My best friends are immigrants. My acquaintances are immigrants. My colleagues are immigrants.
3. Meine Nachbarn sind Einwanderer. Meine Verwandten sind Einwanderer. Meine Cousins sind Einwanderer. Autoren sind Einwanderer. Krankenschwestern sind Einwanderer.
/ My neighbors are immigrants. My relatives are immigrants. My cousins are immigrants. Authors are immigrants. Nurses are immigrants.
4. Parkwächter sind Einwanderer. Kinderbetreuer sind Einwanderer. Rentner sind Einwanderer. Floristen sind Einwanderer.
/ Parking attendants are immigrants. Childcare workers are immigrants. Seniors are immigrants. Florists are immigrants.
5. Politiker sind Einwanderer. Dichter sind Einwanderer. Mein Zuhause ist Einwanderer. Die Straßen sind Einwanderer. Die Häuser sind Einwanderer. Die Autos sind Einwanderer.
/ Politicians are immigrants. Poets are immigrants. My home is an immigrant. The streets are immigrants. The houses are immigrants. The cars are immigrants.
6. Die Ventilationssysteme sind Einwanderer. Der Tiefkühlchrank ist Einwanderer. Die Kekse sind Einwanderer. Die Chips sind Einwanderer. Der Lebkuchenteig ist ein Einwanderer.
/ The ventilation systems are immigrants. The freezer is an immigrant. The cookies are immigrants. The chips are immigrants. The gingerbread dough is an immigrant.
7. Die Fenster sind Einwanderer. Die Griffe sind Einwanderer. Die Bücher sind Einwanderer. Die Sprache ist Einwanderer. Der Schnee ist Einwanderer.
/ The windows are immigrants. The handles are immigrants. The books are immigrants. The language is an immigrant. The snow is an immigrant.
8. Die Baumstämme sind Einwanderer. Die Blätter sind Einwanderer. Das Eis ist Einwanderer. Das Wasser ist Einwanderer.
/ The tree trunks are immigrants. The leaves are immigrants. The ice is an immigrant. The water is an immigrant
—
Thanks: Inklusives Nachbarschaftszentrum and all participants
Butoh Dance applied as form and method: one empties the body, filling one’s internal body movement with material (water), as the body is metamorphosing into a water state, the water state is then influenced by dronal sound vibration from a wall. The sounds create a ripple flow of waves in the space and the internal body.
The performers where positioned at the part of the space, which picked up maximum dronal vibration: A wall with an attached frame. The hard light directed away from the performers, illuminating the audience and the musician.
With a simple dramaturgical score, the two move through immerging with each other, to the floor upon which the drone music is accidently cut for 5 minutes, the performers freeze. When the drone music starts again, the performers move to an upright position, leaning against the wall. Then folding down to the floor again and at last arriving to the final balancing position. The drone music is cut.
Uraufführung @ Women* In Action Day am 23.09.2017 in Rabet, Leipzig
@ an_archiv, zum 20-jährigen Jubiläum des Hochschularchivs der HGB Leipzig
Eröffnungskonzert am 15.02.2018 um 20:00 Uhr in Raum 1.34 (Audiolabor)
Matineekonzerte am 16.02., 17.02., 18.02. jeweils um 17:00 Uhr in Raum 1.34 (Audiolabor)
Installatives elektro-akustisches Konzert mit begleitendem Leporello, Zickzackfalz 10-seitig, 390 mm x 100 mm, selbstgebauter Metalltisch, Samplr (Musik App), Dayton Audio Sound Exciter (aufsetzbarer Lautsprecher) und selbstgebaute Instrumente in der Reihenfolge ihres Erklingens:
Beleuchtungsteile und Glühlampen aus einer Leipziger Passage die veraltet und ausgetauscht geworden sind (Aluminium und Glas)
„Lyra-Trommel“ (Stahl) Paukenschlägel (Aluminiumfolie/Mutter/Stahl) 2 Schachtelteile (Aluminium)
„Zepter“ Näherungssensor/Kapazitätssensor. (Kupfer/Arduino) Das Gerät misst die Kapazität des Zepters, welches eine Hälfte eines Kondensators bildet, die Andere ist die Umgebung. Durch Änderung der Umgebung ändert sich die Kapazität und somit die Frequenz, mit der der Oszillator, welcher den Kondensator beinhaltet, schwingt. Das Gerät misst die Periodendauer (1/ Frequenz) und erzeugt digital einen Ton, welcher durch die Periodendauer “inspiriert” wird. Das Gerät erzeugt einen Ton, welcher durch die Kapazität beeinflusst wird. – Max Schöpflin „Sängerin“ Beleuchtungsteil aus einer Leipziger Passage die veraltet und ausgetauscht geworden ist (Aluminium) Metallblech 65 cm x 84 mm (Aluminium) Aluminiumfolien Streifen 100 cm x 11 cm Metallblech 29 cm x 42 cm (Aluminium)
„Leiter“ 240 cm x 55 cm (Stahl) 2 Piezomikrofone Jazzbesen (Kupfer/Stahl) 10 stück Kronkorken Stahlplatte 40 cm x 25 cm Cutter (Stahl) Kleiderbügel (Stahl)
Das 25-minütige Stück ist teilimprovisiert mit strengen Zeitangaben. Der Fokus liegt auf dem räumlichen Aspekt des Tons. Der Sound bewegt sich abwechselnd von der Klangerzeugerin (ich), bis hinter dem Publikum, bis hinter der Klangerzeugerin, wo die Installation sich befindet. Teilweise vermischen sich die Sounds ineinander und bilden eine Kakofonie. Dies führt unter anderem, zur Desorientierung.
Zum Semesteranfang 2011, während eines Einführungsseminars in der HGB, hat Prof. Julia Blume ein Foto gezeigt, welches meine Interesse geweckt hat. Die Autorin des Fotos ist Evelyn Richter, eine ehemalige Studentin der HGB. Für mich schien dieses Foto schon Musik zu machen. Ich dachte, es handelt sich um eine Art Konzertaufführung. Die Figur im Foto steht aufrecht, mit viel innerer Spannung und grossen Wille. Dieses habe ich als Medium für Musik gesehen. Bei der Wiederbetrachtung des Fotos, wollte ich herausfinden, wie ich aus den Gegenständen, Klänge erzeugen bzw. daraus Instrumente entwickeln kann. Das Foto funktioniert als Katalysator, um neue Instrumente zu finden. Mit Instrumenten aus Metall, wollte ich das Foto neu lesen.
Für die Uraufführung am 23.09.2017 habe ich selbst ein Kostüm gemacht. Ich ging immer noch vom Foto aus, deshalb war es für mich wichtig, Farben wie Weiß und Aubergine-Rot zu tragen. Ich habe einen Hut, aus dem armenischen Volkstanz, mit zwei künstlichen Flechten zusammen genäht. Als ich im September das Ergebnis vor meinen Augen hatte, stellte ich im Nachhinein fest, dass mein Kostüm wie ein afghanisches Nomaden-Kleid aussieht. Bei Betrachtungen des Fotos Ende des Jahres, schien mir die dargestellte Person abschreckend. Sie hat etwas Unheimliches – bis hin zu etwas Unausgesprochenem. Sie hat mich an Sun Ra und Laurie Anderson erinnert, die beide ihre Musik als utopische und transformative Grammatik verwenden, um auf einer anderen Ebene anzukommen…
Laut Susan Sontag, bekommen Subjekte einen gewissen Pathos, wenn sie fotografiert werden.
Während der Recherche, habe ich Maryam Sahinyans Fotos von ihrem Studio gesehen. In ihrem Fotostudio ändert sich der Hintergrund nie und es gibt nur einen Teppich als Einrichtung. Die Leute haben einen großen Spielraum, um sich vor der Kamera zu inszenieren bzw. um selbst zum Bild zu werden. Diese surreale Erfahrung habe ich als Kind im Fotostudio meines Vaters gemacht. Anschließend habe ich von mehreren Quellen herausgefunden, dass die Autorin des Fotos in Dresden lebt. Ich habe mich entschieden Kontakt mit ihr aufzunehmen, um mehr über das Foto zu erfahren.
Re-enactments sind normalerweise Geschehnisse oder Ereignisse mit einem Verlauf. Das Foto “Selbtsinszenierung” ist ein Festhalten eines Moments und zeigt auf „Ich war da“.
Die Sounds im Konzert sind aber von Natur aus immateriell und bewegen sich. Sound ist Zeit. Als ich die Autorin getroffen habe, habe ich unter anderem erfahren, dass das Foto in der DDR-Zeit bei allen ihren Ausstellungen dabei war. Nach dem Besuch habe ich einen Text Besuch bei Evelyn Richter am 04.01.2018 im Anthroposophischen Altersheim „Christengemeinschaft Rudolf Frieling“ in Dresden, über meine Erfahrungen geschrieben.
Der Leporello, der als begleitendes Material für das Konzert dient, enthält:
Ausschnitte aus meinem Text und mehrere Collagen, aus Evelyn Richter’s Foto “Selbtsinszenierung”, der Entwicklungsprozess des Partiturs, das Dokumentationsfoto von der Uraufführung und das selbstgemachte Kostüm.
Heute. Der 5. Mai 2018 ist einem Tag, an dem ich mir die Zeit genommen habe, diesen Text über mein Evelyn Richter Reenactment zu aktualisieren. Auf dem Weg zur Bibliothek, gehe ich am Augustusplatz vorbei. Es gibt eine Autoshow mit DDR-Autos. Ich setze mich hin, um die Stimmung in mich aufzunehmen. Ich frage meine Nachbarin neben mir auf der Brunnentreppe, eine Frau mit langen braunroten Haaren, ob es ausschließlich von Autos aus der DDR handelt.
Sie erzählt, dass die Autoshow jährlich stattfindet. Im letzten Jahr in Dresden und dieses Jahr in Leipzig. Aus der Brunnentreppe, auf der wir sitzen, stehen alle Autos, die von Besuchern umgegeben sind, und im Hintergrund steht die Oper Leipzig mit neuen Gerüsten für Restaurierungsarbeiten.
Es ist eine besondere Stimmung. Eine konzentrierte Dichte. Wir sprechen darüber, dass Erinnerungen aus der DDR-Zeit zum Vorschein kommen, einfach indem man diese Gegenstände (Autos) auf dem Augustusplatz platziert. Und für jene Besucher, die die DDR-Zeit noch nicht erlebt haben, ist dies ein Moment der Bildung.
Sie erzählt, dass es in der DDR keine Demokratie gab und dass die Polizei viel härter war als heutzutage. Ich erzähle ihr, dass viele Kinder von Künstlern im Gefängnis geboren sind. Eine Frau mittleren Alters geht die Treppe hinunter, auf der wir sitzen. Sie erzählt ihrer jüngeren Freundin “Jetzt wirst du sehen, jetzt wird es ganz historisch für euch”. Die Autos fangen langsam an sich aufzulösen, Rauch steigt auf. Es ist um 18:00 Uhr. Meine Nachbarin sagt, dass es ihr Spaß gemacht hat, mich kennenzulernen und fährt los mit ihrem Auto aus der DDR-Zeit.
Jetzt kommt eine Gruppe von Leuten aus dem ägyptischen Museum, die alle als Ägypter verkleidet sind. Zuletzt im Zug sind zwei Mädchen mit langen braunen Haaren in Zöpfen, vielleicht aus Syrien, die sind auch verkleidet.
@ YUP Festival. Kunsthalle Osnabrück – “Bürgergehorsam” Turm der Kunsthalle am 27.10.2018
Installatives elektro-akustisches Konzert mit begleitendem Leporello, Zickzackfalz 10-seitig, 390 mm x 100 mm, Samplr (Musik App), Dayton Audio Sound Exciter (aufsetzbarer Lautsprecher) und selbstgebaute Instrumente in der Reihenfolge ihres Erklingens:
„Zepter“ Näherungssensor/Kapazitätssensor. (Kupfer/Arduino) Das Gerät misst die Kapazität des Zepters, welches eine Hälfte eines Kondensators bildet, die Andere ist die Umgebung. Durch Änderung der Umgebung ändert sich die Kapazität und somit die Frequenz, mit der der Oszillator, welcher den Kondensator beinhaltet, schwingt. Das Gerät misst die Periodendauer (1/ Frequenz) und erzeugt digital einen Ton, welcher durch die Periodendauer “inspiriert” wird. Das Gerät erzeugt einen Ton, welcher durch die Kapazität beeinflusst wird. – Max Schöpflin „Lyra-Trommel“ (Stahl) Paukenschlägel (Aluminiumfolie/Mutter/Stahl) Metallblech 65 cm x 84 mm (Aluminium) „Sängerin“ Beleuchtungsteil aus einer Leipziger Passage die veraltet und ausgetauscht geworden ist (Aluminium) Aluminiumfolien Streifen 100 cm x 2 cm
Das 12-minütige Stück ist teilimprovisiert mit strengen Zeitangaben. Der Fokus liegt auf dem Überlagerungs-Aspekt des Tons. Der Sound bewegt sich abwechselnd von der Klangerzeugerin (mir), hinter die Klangerzeugerin, wo sich das Metallblech befindet, hinter das Publikum und wieder zurück hinter die Klangerzeugerin. Die Überlagerungen des Sounds vermischen sich ineinander und bilden eine epische Raumwirkung.
Sound-Reenactment of Evelyn Richter’s photo “Selbtsinszenierung” (in her studio at the TU, Dresden, 1952)
An installative electro-acoustic concert
2017-2018
Premiere @ Women* In Action Day on 23.09.2017 in Leipzig
@ an_archiv, marking the 20th anniversary of the HGB university archive, Leipzig
Opening concert on 15.02.2018 at 20:00 in room 1.34 (Audiolabor)
Matinee concerts on 16.02., 17.02., 18.02. at 17:00 in room 1.34 (Audiolabor)
An installative electro-acoustic concert with accompanying Leporello, 10-sided zigzag fold, 390 mm x 100 mm, self-made metal table, Samplr (music app), Dayton Audio Sound Exciter (attachable speaker) and self-made instruments in the order of their sounding:
Out-dated lamp parts and bulbs that have been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium and Glass)
„Lyre-drum“ (Steel) Timpani mallet (Aluminium foil/Nut/Steel) Two case parts (Aluminium)
„Scepter“ proximity sensor / capacitance sensor. (Copper / Arduino) The device measures the capacity of the scepter, which is one half of a capacitor, the other is the environment. Changing the environment changes the capacitance and thus the frequency with which the oscillator, which contains the capacitor, oscillates. The device measures the period duration (1 / frequency) and digitally generates a tone that is “inspired” by the period duration. The device generates a sound that is influenced by the capacity. – Max Schöpflin Out-dated „Singer“ lamp part that has been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium) Metal sheet 65 cm x 84 mm (Aluminium) Aluminium foil strips 100 cm x 11 cm Metal sheet 29 cm x 42 cm (Aluminium)
„Ladder“ 240 cm x 55 cm (Steel) Two Piezo microphones Jazzbrush (Copper / Steel) Ten pieces of bottle caps Steel plate 40 cm x 25 cm Cutter (Steel) Hanger (Steel)
The 25-minute piece is partly improvised with strict time specifications. The focus is on the spatial aspect of the sound. The sound moves alternately from the sound producer (me), behind the audience, to the sound producer, where the installation is located. Partly, the sounds mix together and form a cacophony. This leads to disorientation, among other things.
During an introductory seminar in the HGB in 2011, Prof. Julia Blume showed a photo that awoke my interest. The author of the photo is Evelyn Richter, a former student of the HGB. For me, this photo already seemed to make music. I thought it was a kind of concert performance. The figure in the photo stands upright, with much inner tension and great will. I saw her as a medium for music. When reviewing the photo, I wanted to find out how I can create sounds from the objects or develop instruments from them. The photo works as a catalyst to find new instruments. I wanted to re-read the photo with metal instruments.
For the premiere on 23.09.2017, I made a costume. Departing from the photo and putting importance on wearing colors like white and aubergine red. I sewed a hat, inspired by the hats in Armenian folk dance, with two artificial braids. Afterwards, when I saw the result in September I realised that my costume looked like an Afghan nomad dress. When viewing the photo at the end of the year, the person depicted seemed scary to me. Something is uncanny – to the point of something unspoken. She reminded me of Sun Ra and Laurie Anderson, who both use their music as an utopian and transformative grammar to arrive on a different level.
According to Susan Sontag, subjects gain pathos when photographed. During the research process, I saw Maryam Sahinyan’s studio photos. In her photo studio the background never changes and there is only one carpet as decor. People have great deal of freedom to stage themselves in front of the camera / or to become an image themselves. As a child, I had made this surreal experience in my father’s photo studio. Later, I found out that the author of the photo lives in Dresden, from several sources. I decided to contact her to find out more about the photo.
Re-enactments are usually happenings or events with a course of development. The photo “Selbtsinszenierung” is a capture of a moment and demonstrates “I was there”.
The sounds in the concert are, however, inherently immaterial and moving. Sound is time. When I met the author, among other things, I learned that the photo was present at all her exhibitions during the GDR era. After the visit, I wrote a text “Visiting Evelyn Richter on 04.01.2018 in the Anthroposophical retirement home „Christengemeinschaft Rudolf Frieling“ in Dresden”, about my experience.
The Leporello, which serves as accompanying material for the concert, contains excerpts from my text and several collages, from Evelyn Richter’s photo “Selbtsinszenierung”, the development process of the score, the documentary photo of the premiere and the self-made costume.
@ YUP Festival. Kunsthalle Osnabrück – in the tower “Bürgergehorsam” on 27.10.2018
An installative electro-acoustic concert with accompanying Leporello, 10-sided zigzag fold, 390 mm x 100 mm, Samplr (music app), Dayton Audio Sound Exciter (attachable speaker) and self-made instruments in the order of their sounding:
„Scepter“ proximity sensor / capacitance sensor. (Copper / Arduino) The device measures the capacity of the scepter, which is one half of a capacitor, the other is the environment. Changing the environment changes the capacitance and thus the frequency with which the oscillator, which contains the capacitor, oscillates. The device measures the period duration (1 / frequency) and digitally generates a tone that is “inspired” by the period duration. The device generates a sound that is influenced by the capacity. – Max Schöpflin „Lyre-drum“ (Steel) Timpani mallet (Aluminium foil/Nut/Steel) Metal sheet 65 cm x 84 mm (Aluminium) „Singer“ Out-dated lamp part that has been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium) Aluminium foil strips 100 cm x 2 cm
The 12-minute piece is partly improvised with strict time specifications. The focus is on the layering aspect of the sound. The sound moves alternately from the sound producer (me), behind the sound producer, where the metal sheet is located, behind the audience, and behind the sound producer again. The layered sounds blend and form an epic ambience.
Danke an / Thanks : Dezentrale e.V., Max Schöpflin, Julia Blume, Peter Richter, Agnes Nguyen, Tina Bara, Nils Wange, Jeannette Brabenetz, Johannes Oestringer, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Max Schneider, Tobias Raayoni Last, interaction Leipzig e.V., Bettina Wija-Stein
Observations and interventions in Leipzig, focusing on invasiveness in the built environment.
The work is based on observations along an experienced border through Leutzsch/Plagwitz/Connewitz in western and southern Leipzig, where currently, a more or less visible struggle is going on between city developers and citizens.
This border is manifested by temporary, yellow traffic/contruction site elements, which are almost behaving territorially.
Site-specific installation on the east side coartyard of Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig during HGB Rundgang 2016
Cobblestones, white rope, wall
We provoked, and promoted a wound on what would normally be a solid and stable base. We altered the ground made out of cobblestones.
We wrapped the cobblestones in ropes and placed them carefully back into their original holes. One of them was placed prominently on the sidewalk, marking the outside. Two cobblestones: One also placed outside, right in front of the wall, and the other one on the other side of the wall. The rest of the cobblestones shaped a long two branched scar.
The “wound state” reveals the sand underneath the cobblestones and allows two different possible evolutions: A healing phase, through which the lived experience or even the pain could be integrated. Its reopening by pulling the stones out again, which implied a revision, a reawakening of the pain, where aggression and suffering would meet. Thus, the cobblestones had the potencial to be a stitch but also a weapon.
In any case, the wound offered the chance to build something new as a result of an interaction. The decision relied on the visitors, who transformed and manipulated the work. These interventions were revealed through time.
Eine Videointervention von Jakob Argauer, Danny Degner, Jakob Wierzba, Melody Panosian
27.01.2013
10.00 – 12.30
Live-Video-Übertragung, Leinwand 180 cm x 360 cm
Begleitende Publikation, DIN A4, 20 Seiten, Auflage 450
Jährlich am 27.01. lädt die Stadt Leipzig anlässlich des Gedenktages für die Opfer des
Nationalsozialismus zu einer Gedenkveranstaltung ins Neue Rathaus und zum Mahnmal in
Abtnaundorf ein.
Mit bereitgestellten Shuttle-Bussen fahren die TeilnehmerInnen vom Neuen Rathaus Leipzig zur Gedenkveranstaltung nach Abtnaundorf. Dort findet die eigentliche Gedenkveranstaltung statt, die mit dem Rücktransfer ins Rathaus, einer Schweigeminute, kurzen Redebeiträgen und einem Catering ihren Abschluss findet.
Am 27.01.2013 haben wir die Veranstaltung als Bestandteil des protokollarischen Ablaufs der
Stadt Leipzig in Form einer Videointervention, einer Publikation und eines Redebeitrags begleitet.
Dafür wurde ab 10.00 Uhr eine Live-Video-Übertragung vom Mahnmal auf eine in der Unteren
Wandelhalle des Rathauses installierte Leinwand projiziert. Zeitgleich waren damit im Rathaus die Vorbereitungen der Veranstaltung am Mahnmal, die Ankunft der Gäste, die Gedenkveranstaltung unter Beteiligung von RednerInnen und des Gewandhauskinderchores und die Abreise der TeilnehmerInnen nebst Abbau der installierten Technik zu sehen.
Während des Bustransfers haben wir eine Publikation verteilt, die sich als längerfristige
fotografische Beobachtung sowohl mit dem Ort des Mahnmals als auch mit seinem weiteren
Umfeld auseinandersetzt und das Vorgefundene jenseits von Ritualen des Gedenkens in seiner
alltäglichen Praxis sichtbar macht. Mit der Rückkehr ins Neue Rathaus hatten die TeilnehmerInnen die Möglichkeit vor die Live-Übertragung und damit vor das Bild des eben besuchten und bereits wieder geleerten Ortes zu treten. Vor diesem Bild des Gedenkortes mit allen Spuren der Veranstaltung und bei gerade einsetzendem Schneefall haben wir unsere Arbeit in Form eines Redebeitrags vorstellen können. Um 12.30 Uhr wurde die Live-Projektion abgeschaltet.
Wenn die Bilder Dinge sind, ist der Akt des Malens Etwas Anderes. Während der Ausstellung Other things verwendete ich die Galerie als Mal-Atelier.
Mich interessierte was ich zum Malen brauchte: Keilrahmen, Klebeband, Pinsel, Pigmente und so weiter. In meinen ersten Bildern sind diese Gegenstände Motive.
Other things als etwas anderes. Other things als kulturelle Einflüsse. Aber auch Other things wenn Malerei exotisch wirkt.
Der Regelmäßige Galerie-situation für Malerei ist die betrachtenden Subjekt und Kunstwerk als Objekt. Aber in erfahrung ist ein teil alle austellungen/ Galeriesituationen
Interaktiv.
Medienkunst untersucht die Werkzeuge und das Medium – die Handlung, die Zeit, den Raum und die Verwendung des Werks.
Der Besucher stellt Verbindungen zwischen den Objekten im Raum her und wird sich dieses Prozesses bewusst, da die Objekte aus verschiedenen Positionen erfahrbar sind.
Im ausgestellten Atelier erhält alles im Raum die gleiche Bedeutung: je größer es ist, desto mehr Abstand wäre nötig. Körperliche Beteiligung wird unvermeidbar. Der Besucher taucht in den Mittelpunkt ein.
Other things ist ein Raum in sich selbst und nicht von Dingen umgeben. Other things sind die Spuren des Besuchers, seine Position im Raum. Die Spuren des Arbeitstages.
Other things nähert sich einer performativen Situation. Die Bilder werden nicht autonom sondern bleiben Kreationen des Prozesses.
Meine Frage war, was ich mit der Malerei als Medium zu tun könnte und was macht ein offene atelier Situation mit dem Raum und umgekehrt, was hat den ausgestellten Raum mit den Gemälden zu tun.
What kingdom. Of all damn human. Animals. Nothing important
Objects, video installation, performance
2011
@ Spinnerei Leipzig
4 GB USB stick with 11 videos
The stick includes the floorplan of the performances and 11 preporatory videos with music by David Hamer Atlas, Anne Laplantine, Sean Cannock, DZR:P amongst other stars.
This collection of videos was played continously on my computer during the installation. Below the computer USB sticks, including price information. The music video King was shown during the performance.
“I need someone from the audience”. I put on King video on my computer. The audience member pours milk on me while I am upside down. I put coal on my feet and hands like chalk in sports. Acrobatics with legs and feet.
With my back to the audience, I put little red eggs in my swimsuit. Pink water runs down, mixed with the milk on the floor, it forms a pink little lake.
“I need someone from the audience, it concerns filming”. The audience member films the last 30 min of the performance. Cleaning up takes time.
Various interactions happen during the performance. Two performers from another show come in and I ask them to join.
