West Germany

Improvised installative sound performance
2019 @ “Rupture & Rapture II” West Germany/Berlin

Self-made instruments:
Piezo microphone on metal fan
Attachable speaker on metal fan
Attachable speaker on metal plate 65 cm x 84 mm (Aluminium)
iPad, Music App: Samplr
Mixer: Behringer XENYX UFX1204
Speaker System: West Germany

Sound/video editing: Dirk Sebastian Johann Apitz

Windy

Windy
Improvised jam on prepared piano
2019 @ Kunstverein Röderhof Harz/Germany

Prepared piano
Self-made instruments:
Timpani mallet (Aluminium foil/Nut/Steel)
Out-dated „Singer“ lamp part that has been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium)
Piezo microphone
Attachable speaker on steel plate (40 cm x 25 cm).
x2 Attachable speakers on piano
iPad, Music Apps: Samplr, Borderlands, AUM
Mixer: Behringer XENYX UFX1204
Speaker System: DAVE 10G3

Sound/video editing: David Hamer Atlas

Danke: Jeanette Brabenetz, Kunstverein Röderhof, Huysburg Monastery, Woman In Exile & Friends, Nadia Ibrahim, Untraining The Ear Days/Workshops, Snorri Karlsson, Hiltrud Blaier, Sven Heinrich, NASA Fackas und der Milchstraße, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Jan T Sutter, Yunuen Rhi, Uwe Gellner, Michael Schlorke, Dirk Apitz, David Hamer Atlas

Kindly supported by Landes Sachsen-Anhalt

Kele, kele / Քելե, քելե

Kele, kele / Քելե, քելե
Improvised version of Armenian folk song ‘Քելե, քելե’ performed on prepared piano
2019 @ Kunstverein Röderhof Harz/Germany

Prepared piano
Self-made instruments:
Out-dated „Singer“ lamp part that has been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium)
Piezo microphone
Attachable speaker on steel plate (40 cm x 25 cm).
x2 Attachable speakers on piano
Melodica
iPad, Music Apps: Samplr
Mixer: Behringer XENYX UFX1204
Speaker System: DAVE 10G3

Sound/video editing: David Hamer Atlas

Danke: Jeanette Brabenetz, Kunstverein Röderhof, Huysburg Monastery, Woman In Exile & Friends, Nadia Ibrahim, Untraining The Ear Days/Workshops, Snorri Karlsson, Hiltrud Blaier, Sven Heinrich, NASA Fackas und der Milchstraße, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Jan T Sutter, Yunuen Rhi, Uwe Gellner, Michael Schlorke, Dirk Apitz, David Hamer Atlas

Kindly supported by Landes Sachsen-Anhalt

Dunkelgrün

Dunkelgrün; 0759, Trigger, Oväsen and Knölval

2019 @ Kunstverein Röderhof Harz/Germany

A collection of 4 improvised ambient soft-drone jams in the cellar vault of Kunstverein Röderhof / the former brewery of the Huysburg Monastery
/ a site specific in S. Hohmann’s Obstbau for “Künstler-Museum”

I was researching change and spirituality (versus continuity). The cellar vault like any other big space, contains more spirituality, even if only symbolically, the objects interact and become as one. I was exploring the total absorption in the love of God, in this process of conversing with God, I also started to edit my political love poems. I was partaking in the regular masses in the nearby monastery Huysburg. I wanted to explore with dronal sound-scapes, the depths of a single instrument tone, pulsating elongated sustained tones in a physical space akin to the churches can transform the state of unsettledness of a racialized female body into a real and safe home. I believe that a free and fearless body in space is a statement.

Self-made instruments:
Piezo microphone on metal door
Attachable speaker on steel plate (40 cm x 25 cm)
x2 Attachable speaker on aluminium plate (65 cm x 84 mm).
Melodica
Organ with local stones as weights
iPad, Music Apps: Samplr, Borderlands, AUM
Mixer: Behringer XENYX UFX1204
Speaker System: DAVE 10G3

Sound/video editing: Dirk Sebastian Johann Apitz

Danke: Jeanette Brabenetz, Kunstverein Röderhof, Huysburg Monastery, Woman In Exile & Friends, Nadia Ibrahim, Untraining The Ear Days/Workshops, Snorri Karlsson, Hiltrud Blaier, Sven Heinrich, NASA Fackas und der Milchstraße, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Jan T Sutter, Yunuen Rhi, Uwe Gellner, Michael Schlorke, Dirk Apitz, David Hamer Atlas

Kindly supported by Landes Sachsen-Anhalt

AUFRUF ZUR TEILNAHME

AUFRUF ZUR TEILNAHME was a call for participation on European Neighbours’ Day May 24th 2019 at Lindenauer Markt, Leipzig.

With a sort of flashmob, we wanted to stand upright and share a poem from Twitter by reading aloud. The poem is from Lawen Mohtadi’s Twitter post „Måndagsdikt“ (Monday poem) posted on Dec 9th 2013.

Direction & translation into German and English by me.

—

1. Ich bin ein Einwanderer. Die Liebe meines Lebens ist Einwanderer. Meine Eltern sind Einwanderer. Meine Geschwister sind Einwanderer.
/ I’m an immigrant. The love of my life is an immigrant. My parents are immigrants. My siblings are immigrants.
2. Meine Schwägerin und geliebte Freundin ist Einwanderer. Meine besten Freunde sind Einwanderer. Meine Bekannten sind Einwanderer. Meine Kollegen sind Einwanderer.
/ My sister-in-law and beloved friend is an immigrants. My best friends are immigrants. My acquaintances are immigrants. My colleagues are immigrants.
3. Meine Nachbarn sind Einwanderer. Meine Verwandten sind Einwanderer. Meine Cousins sind Einwanderer. Autoren sind Einwanderer. Krankenschwestern sind Einwanderer.
/ My neighbors are immigrants. My relatives are immigrants. My cousins are immigrants. Authors are immigrants. Nurses are immigrants.
4. Parkwächter sind Einwanderer. Kinderbetreuer sind Einwanderer. Rentner sind Einwanderer. Floristen sind Einwanderer.
/ Parking attendants are immigrants. Childcare workers are immigrants. Seniors are immigrants. Florists are immigrants.
5. Politiker sind Einwanderer. Dichter sind Einwanderer. Mein Zuhause ist Einwanderer. Die Straßen sind Einwanderer. Die Häuser sind Einwanderer. Die Autos sind Einwanderer.
/ Politicians are immigrants. Poets are immigrants. My home is an immigrant. The streets are immigrants. The houses are immigrants. The cars are immigrants.
6. Die Ventilationssysteme sind Einwanderer. Der Tiefkühlchrank ist Einwanderer. Die Kekse sind Einwanderer. Die Chips sind Einwanderer. Der Lebkuchenteig ist ein Einwanderer.
/ The ventilation systems are immigrants. The freezer is an immigrant. The cookies are immigrants. The chips are immigrants. The gingerbread dough is an immigrant.
7. Die Fenster sind Einwanderer. Die Griffe sind Einwanderer. Die Bücher sind Einwanderer. Die Sprache ist Einwanderer. Der Schnee ist Einwanderer.
/ The windows are immigrants. The handles are immigrants. The books are immigrants. The language is an immigrant. The snow is an immigrant.
8. Die Baumstämme sind Einwanderer. Die Blätter sind Einwanderer. Das Eis ist Einwanderer. Das Wasser ist Einwanderer.
/ The tree trunks are immigrants. The leaves are immigrants. The ice is an immigrant. The water is an immigrant

—

Thanks: Inklusives Nachbarschaftszentrum and all participants

Public acts / Inner works

GRADUATION PROJECT:

Public acts / Inner works *
Site-specific Intermedia Concert
Oberkeller/Moritzbastei, Leipzig
February 5th 2019, 10:45-11:30

Jan Tobias Sutter (Mondasian audio track)
Kiritan Flux (Video)
Michael Ohme (Sound-reactive LED-light)
Melody Panosian (Concept, Performer, Costume, Fold poster, Sound-reactive LED-light)

* The title of the piece is inspired by the illustration Spiritual Activism: Acts of Vision by the writer Gloria Anzaldúa as well as Anzaldúa’s essay now let us shift… the path of conocimiento… inner work, public acts in this bridge we call home: radical visions for transformation, Ed. Gloria Anzaldúa, AnaLouise Keating (2002)

Fold poster, 280 x 410 mm, Gate Fold, 32 copies
iPad, Music Apps: AUM, Mood synth, Borderlands
Audio track, Modular synthesizer
Sound-reactive LED-light, x6 LED strips, Seeeduino, Grove LED Strip Driver
Single-channel Video, Davinci Resolve 14, Adobe After Effects CS6, Resolume Avenue 6, Screen 300 x 200 cm
Dual Cassette Tape Deck
x3 Type I Cassette tapes
Mixer, Behringer XENYX UFX1204
Speaker System, Sony SRS D8
PA-System (Oberkeller)

BACKGROUND

When and how does one’s appearance play a role in performance?

In the field of performance, my personal experience is that it has become increasingly difficult to represent someone who looks like myself. It leaves a feeling of inadequacy and it feels like taking the place from someone who could do the job better.

As performers, as well as backstage, one is ascribed a role based on how one looks, and one can be expected to act accordingly. It is about a categorization, or stereotyping through conventions, in accordance to one’s body, which are inscribed on the person before one gets a chance to describe oneselve. As a result, some people are reduced to their bodies and looked upon as bodies.

When constantly singled out and categorized as Other because of one’s body, the only way to protect oneself against the piece-by-piece dehumanization is constructing a wall: brick by brick. Each brick contains the Self, protects the human flesh and blood, but at the same time operates as fencing.

OBERKELLER

Brick by brick, together with her fellow students, Angela Merkel, who used to be called Europe’s political mother, helped built this room which had laid in ruins for so long that young trees grew on the top.

The fold poster shows a gate folded board of a subjective perspective, which is as detailed as a walk. The board is shot from above, creating a unity. The fold poster is also veiled in the color blue. Open it, and you are invited to view my unconscious intentions, my intuitive exploration, bridging the way to Oberkeller. My intention was to reach the heart of the matter, in the way that Oberkeller is to Leipzig.

MONDASIAN AUDIO TRACK

My back is to the audience on the very bottom of Oberkeller on the right side vault. I create silhouettes with lazy hands against the spotlight. Finger motion, opening and closing, forming a fist. Hand pushing, pulling and sweeping. I playback a “Mondasian” * old school robot sounding audio track from my iPad, the text is a poem I wrote. Meanwhile, my soundreactive LED light, carelessly attached on a blue veil, reacts to the audio track: during silence a weak indigo colored flickering; during speech a bright lemony white.

I am a figure that hardly acts and lets the audience look, listen or follow. The voice is robotic and the figures mouth is kept open. There is neither action nor expression really, but rather a diluted and inhibited machine state. Is it too late? Has the robotic reality taken over the person piece per piece and left only lazy hands and an open mouth? Or is the figure resisting at this very moment? Because when it speaks, the LEDs light up Oberkeller.

*In the science fiction series Doctor Who, Mondasians are artificially modified humanoids, originating from earth’s twin planet Mondas. Regular Mondasians where converted into Cyberman by leftover cyberfication machinery. The first appearance of Cyberman was in 1966.
In the episode “The Doctor Falls”, one of the main protagonists, Bill Potts, is transformed into a Cyberman. Bill initially remains unaware of her cyber-conversion because of her strong sense of Self.

INSIDE / OUTSIDE

I now turn around and playback another audio track. A generated cosmic music (Kosmische Musik) that keeps evolving. Opposite me, a video is projected. In it a protagonist is marking, unraveling and linking the proximity between inner and outer Oberkeller with 50 meters of nub yarn. Oberkeller becomes an exploration of internal space. It becomes the Protagonist that lets audience look, listen or follow. At the end of the video the gaze is returned, with a clear blue sky as its backdrop.

ARCHIVING NOCTURNAL DREAMS

I am sitting next to the stairs on a patchwork of carpets surrounded by old and new technical equipment. I am reading out loud the collection of recent dreams of friends, family and fellow students into my Dual Cassette Tape Deck from letters, and it is audible in the small local speakers next to me.

I asked friends, family and fellow students to send me their dreams description. What interested me was the perspective and position of the dreamer in the dream. Another element that caught my attention was the way dreamers started their notes. I always begin with “Dreamt”. Someone started with “I am writing now”. Others jump right into describing the events of the situation, without much ado.

Since my early twenties I’ve written down my nocturnal dreams. In dreams our position and perception seems to say something about the intention behind our actions. Normally, The Unconscious is described as our unknown wishes and desires. What is unknown to the mind. What we call “intuition” seems to be a sort of knowledge not yet known (to the mind). In this way, the guiding force that we call “intuition” becomes helpful in understanding the unconscious. Intuition is like thinking with the heart: it requires feeling, and closeness. Intuition works in the dark, but without hiding. But intuition is like seeing through touch. The same applies to dreams, which certainly work with conventions, but are best described/explained by their effect on us.

PATCHWORK

I am copying the cassette tape into another one – creating an archive of the dreams. At the same time I am taking samples from the tape into my iPad. Each time I listen to the samples, I get to know the recorded reading: the collected samples create a patchwork that can be heard in the PA, a hypnotic cacophony of voices in the heart of things. The discoball in the vault section starts turning, spinning fragmented dots of light and voices, the audience in Oberkeller in a lucid state across time and space. The harshness of the inhuman figure is replaced by a subject that creates music, the medium which best dissolves the border between Self and the Other.

Thanks: All artists involved in the project, everyone who sent me their transcribed dreams, Moritzbastei, Rick Barkawitz, my parents, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Max Schneider, Camilla Safrankova, Tlalit Raayoni Last, Ella Raayoni Last

Symbiose

Symbiose

Improvised audio-visual collaboration with self-built metal instruments together with Parks Tales (storytelling), Sebastien Branche (prepared saxophone) and Dorin Cucicov (Processing)

During WispLab 15/16.09.2018 @ Kontor 80, Leipzig

Water-Body

Water-Body

20-minute Butoh choreography for two performers read as male:
Elijah Semerenko and Ryan Parks

Accompanied by live spectral drone music:
Jan Tobias Sutter

During WispLab 15/16.09.2018 @ Kontor 80, Leipzig

Butoh Dance applied as form and method: one empties the body, filling one’s internal body movement with material (water), as the body is metamorphosing into a water state, the water state is then influenced by dronal sound vibration from a wall. The sounds create a ripple flow of waves in the space and the internal body.

The performers where positioned at the part of the space, which picked up maximum dronal vibration: A wall with an attached frame. The hard light directed away from the performers, illuminating the audience and the musician.

With a simple dramaturgical score, the two move through immerging with each other, to the floor upon which the drone music is accidently cut for 5 minutes, the performers freeze. When the drone music starts again, the performers move to an upright position, leaning against the wall. Then folding down to the floor again and at last arriving to the final balancing position. The drone music is cut.

Workshop #1

Workshop #2

WHY are you here why ARE you here why are YOU here why are you HERE

For English see below

Raha Rezaei & Melody Panosian

WHY are you here
why ARE you here
why are YOU here
why are you HERE

Performance Aktion mit Malerei, Zeichnungen, Collagen, Fotografien

Für meine einstündige Raumbelegung habe ich zwischen Tausenden von Ideen hin und her überlegt. Ich habe mehrere Selbstporträts von Raha Rezaei aufgehangen und nach einer Stunde wurden diese wieder abgehangen.

Raha Rezaei wurde 1993 in Kassel geboren.
Aktiv in der QueerTrans BPOC-Szene Leipzig und Berlin.
Studiert zur Zeit Kunstpädagogik an der Universität Leipzig.

@ HGB Rundgang 17.02.2018, 19:00-20:00, Raum 2.32, Leipzig

Raha Rezaei & Melody Panosian

WHY are you here
why ARE you here
why are YOU here
why are you HERE

Performance action with paintings, drawings, collages, photographs

For my one-hour room reservation, I was considering and reconsidering between thousands of ideas. I hung several self-portraits by Raha Rezaei and after an hour they were taken down again.

Sound-Reenactment nach Evelyn Richter’s Foto “Selbtsinszenierung” (in ihrem Studio an der TU, Dresden, 1952)

For English see below

Sound-Reenactment nach Evelyn Richter’s Foto “Selbtsinszenierung” (in ihrem Studio an der TU, Dresden, 1952)

Installatives elektro-akustisches Konzert
2017-2018

Uraufführung @ Women* In Action Day am 23.09.2017 in Rabet, Leipzig

@ an_archiv, zum 20-jährigen Jubiläum des Hochschularchivs der HGB Leipzig
Eröffnungskonzert am 15.02.2018 um 20:00 Uhr in Raum 1.34 (Audiolabor)
Matineekonzerte am 16.02., 17.02., 18.02. jeweils um 17:00 Uhr in Raum 1.34 (Audiolabor)

Installatives elektro-akustisches Konzert mit begleitendem Leporello, Zickzackfalz 10-seitig, 390 mm x 100 mm, selbstgebauter Metalltisch, Samplr (Musik App), Dayton Audio Sound Exciter (aufsetzbarer Lautsprecher) und selbstgebaute Instrumente in der Reihenfolge ihres Erklingens:

Beleuchtungsteile und Glühlampen aus einer Leipziger Passage die veraltet und ausgetauscht geworden sind (Aluminium und Glas)
„Lyra-Trommel“ (Stahl)
Paukenschlägel (Aluminiumfolie/Mutter/Stahl)
2 Schachtelteile (Aluminium)
„Zepter“ Näherungssensor/Kapazitätssensor. (Kupfer/Arduino)
Das Gerät misst die Kapazität des Zepters, welches eine Hälfte eines Kondensators bildet, die Andere ist die Umgebung. Durch Änderung der Umgebung ändert sich die Kapazität und somit die Frequenz, mit der der Oszillator, welcher den Kondensator beinhaltet, schwingt. Das Gerät misst die Periodendauer (1/ Frequenz) und erzeugt digital einen Ton, welcher durch die Periodendauer “inspiriert” wird. Das Gerät erzeugt einen Ton, welcher durch die Kapazität beeinflusst wird.
„Sängerin“ Beleuchtungsteil aus einer Leipziger Passage die veraltet und ausgetauscht geworden ist (Aluminium)
Metallblech 65 cm x 84 mm (Aluminium)
Aluminiumfolien Streifen 100 cm x 11 cm
Metallblech 29 cm x 42 cm (Aluminium)
„Leiter“ 240 cm x 55 cm (Stahl)
2 Piezomikrofone
Jazzbesen (Kupfer/Stahl)
10 stück Kronkorken
Stahlplatte 40 cm x 25 cm
Cutter (Stahl)
Kleiderbügel (Stahl)

Das 25-minütige Stück ist teilimprovisiert mit strengen Zeitangaben. Der Fokus liegt auf dem räumlichen Aspekt des Tons. Der Sound bewegt sich abwechselnd von der Klangerzeugerin (ich), bis hinter dem Publikum, bis hinter der Klangerzeugerin, wo die Installation sich befindet. Teilweise vermischen sich die Sounds ineinander und bilden eine Kakofonie. Dies führt unter anderem, zur Desorientierung.

Zum Semesteranfang 2011, während eines Einführungsseminars in der HGB, hat Prof. Julia Blume ein Foto gezeigt, welches meine Interesse geweckt hat. Die Autorin des Fotos ist Evelyn Richter, eine ehemalige Studentin der HGB. Für mich schien dieses Foto schon Musik zu machen. Ich dachte, es handelt sich um eine Art Konzertaufführung. Die Figur im Foto steht aufrecht, mit viel innerer Spannung und grossen Wille. Dieses habe ich als Medium für Musik gesehen. Bei der Wiederbetrachtung des Fotos, wollte ich herausfinden, wie ich aus den Gegenständen, Klänge erzeugen bzw. daraus Instrumente entwickeln kann. Das Foto funktioniert als Katalysator, um neue Instrumente zu finden. Mit Instrumenten aus Metall, wollte ich das Foto neu lesen.

Für die Uraufführung am 23.09.2017 habe ich selbst ein Kostüm gemacht. Ich ging immer noch vom Foto aus, deshalb war es für mich wichtig, Farben wie Weiß und Aubergine-Rot zu tragen. Ich habe einen Hut, aus dem armenischen Volkstanz, mit zwei künstlichen Flechten zusammen genäht. Als ich im September das Ergebnis vor meinen Augen hatte, stellte ich im Nachhinein fest, dass mein Kostüm wie ein afghanisches Nomaden-Kleid aussieht. Bei Betrachtungen des Fotos Ende des Jahres, schien mir die dargestellte Person abschreckend. Sie hat etwas Unheimliches – bis hin zu etwas Unausgesprochenem. Sie hat mich an Sun Ra und Laurie Anderson erinnert, die beide ihre Musik als utopische und transformative Grammatik verwenden, um auf einer anderen Ebene anzukommen…

Laut Susan Sontag, bekommen Subjekte einen gewissen Pathos, wenn sie fotografiert werden.
Während der Recherche, habe ich Maryam Sahinyans Fotos von ihrem Studio gesehen. In ihrem Fotostudio ändert sich der Hintergrund nie und es gibt nur einen Teppich als Einrichtung. Die Leute haben einen großen Spielraum, um sich vor der Kamera zu inszenieren bzw. um selbst zum Bild zu werden. Diese surreale Erfahrung habe ich als Kind im Fotostudio meines Vaters gemacht. Anschließend habe ich von mehreren Quellen herausgefunden, dass die Autorin des Fotos in Dresden lebt. Ich habe mich entschieden Kontakt mit ihr aufzunehmen, um mehr über das Foto zu erfahren.

Re-enactments sind normalerweise Geschehnisse oder Ereignisse mit einem Verlauf. Das Foto “Selbtsinszenierung” ist ein Festhalten eines Moments und zeigt auf „Ich war da“.
Die Sounds im Konzert sind aber von Natur aus immateriell und bewegen sich. Sound ist Zeit. Als ich die Autorin getroffen habe, habe ich unter anderem erfahren, dass das Foto in der DDR-Zeit bei allen ihren Ausstellungen dabei war. Nach dem Besuch habe ich einen Text Besuch bei Evelyn Richter am 04.01.2018 im Anthroposophischen Altersheim „Christengemeinschaft Rudolf Frieling“ in Dresden, über meine Erfahrungen geschrieben.

Der Leporello, der als begleitendes Material für das Konzert dient, enthält:
Ausschnitte aus meinem Text und mehrere Collagen, aus Evelyn Richter’s Foto “Selbtsinszenierung”, der Entwicklungsprozess des Partiturs, das Dokumentationsfoto von der Uraufführung und das selbstgemachte Kostüm.

Heute. Der 5. Mai 2018 ist einem Tag, an dem ich mir die Zeit genommen habe, diesen Text über mein Evelyn Richter Reenactment zu aktualisieren. Auf dem Weg zur Bibliothek, gehe ich am Augustusplatz vorbei. Es gibt eine Autoshow mit DDR-Autos. Ich setze mich hin, um die Stimmung in mich aufzunehmen.
 Ich frage meine Nachbarin neben mir auf der Brunnentreppe, eine Frau mit langen braunroten Haaren, ob es ausschließlich von Autos aus der DDR handelt.
Sie erzählt, dass die Autoshow jährlich stattfindet. Im letzten Jahr in Dresden und dieses Jahr in Leipzig. Aus der Brunnentreppe, auf der wir sitzen, stehen alle Autos, die von Besuchern umgegeben sind, und im Hintergrund steht die Oper Leipzig mit neuen Gerüsten für Restaurierungsarbeiten.
Es ist eine besondere Stimmung. Eine konzentrierte Dichte. Wir sprechen darüber, dass Erinnerungen aus der DDR-Zeit zum Vorschein kommen, einfach indem man diese Gegenstände (Autos) auf dem Augustusplatz platziert. Und für jene Besucher, die die DDR-Zeit noch nicht erlebt haben, ist dies ein Moment der Bildung.
Sie erzählt, dass es in der DDR keine Demokratie gab und dass die Polizei viel härter war als heutzutage.

 Ich erzähle ihr, dass viele Kinder von Künstlern im Gefängnis geboren sind.

 Eine Frau mittleren Alters geht die Treppe hinunter, auf der wir sitzen. Sie erzählt ihrer jüngeren Freundin “Jetzt wirst du sehen, jetzt wird es ganz historisch für euch”. 

Die Autos fangen langsam an sich aufzulösen, Rauch steigt auf. Es ist um 18:00 Uhr. Meine Nachbarin sagt, dass es ihr Spaß gemacht hat, mich kennenzulernen und fährt los mit ihrem Auto aus der DDR-Zeit.
Jetzt kommt eine Gruppe von Leuten aus dem ägyptischen Museum, die alle als Ägypter verkleidet sind. Zuletzt im Zug sind zwei Mädchen mit langen braunen Haaren in Zöpfen, vielleicht aus Syrien, die sind auch verkleidet.

@ YUP Festival. Kunsthalle Osnabrück – “Bürgergehorsam” Turm der Kunsthalle am 27.10.2018

Installatives elektro-akustisches Konzert mit begleitendem Leporello, Zickzackfalz 10-seitig, 390 mm x 100 mm, Samplr (Musik App), Dayton Audio Sound Exciter (aufsetzbarer Lautsprecher) und selbstgebaute Instrumente in der Reihenfolge ihres Erklingens:

„Zepter“ Näherungssensor/Kapazitätssensor. (Kupfer/Arduino)
Das Gerät misst die Kapazität des Zepters, welches eine Hälfte eines Kondensators bildet, die Andere ist die Umgebung. Durch Änderung der Umgebung ändert sich die Kapazität und somit die Frequenz, mit der der Oszillator, welcher den Kondensator beinhaltet, schwingt. Das Gerät misst die Periodendauer (1/ Frequenz) und erzeugt digital einen Ton, welcher durch die Periodendauer “inspiriert” wird. Das Gerät erzeugt einen Ton, welcher durch die Kapazität beeinflusst wird.
„Lyra-Trommel“ (Stahl)
Paukenschlägel (Aluminiumfolie/Mutter/Stahl)
Metallblech 65 cm x 84 mm (Aluminium)
„Sängerin“ Beleuchtungsteil aus einer Leipziger Passage die veraltet und ausgetauscht geworden ist (Aluminium)
Aluminiumfolien Streifen 100 cm x 2 cm

Das 12-minütige Stück ist teilimprovisiert mit strengen Zeitangaben. Der Fokus liegt auf dem Überlagerungs-Aspekt des Tons. Der Sound bewegt sich abwechselnd von der Klangerzeugerin (mir), hinter die Klangerzeugerin, wo sich das Metallblech befindet, hinter das Publikum und wieder zurück hinter die Klangerzeugerin. Die Überlagerungen des Sounds vermischen sich ineinander und bilden eine epische Raumwirkung.

Sound-Reenactment of Evelyn Richter’s photo “Selbtsinszenierung” (in her studio at the TU, Dresden, 1952)

An installative electro-acoustic concert
2017-2018

Premiere @ Women* In Action Day on 23.09.2017 in Leipzig

@ an_archiv, marking the 20th anniversary of the HGB university archive, Leipzig
Opening concert on 15.02.2018 at 20:00 in room 1.34 (Audiolabor)
Matinee concerts on 16.02., 17.02., 18.02. at 17:00 in room 1.34 (Audiolabor)

An installative electro-acoustic concert with accompanying Leporello, 10-sided zigzag fold, 390 mm x 100 mm, self-made metal table, Samplr (music app), Dayton Audio Sound Exciter (attachable speaker) and self-made instruments in the order of their sounding:

Out-dated lamp parts and bulbs that have been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium and Glass)
„Lyre-drum“ (Steel)
Timpani mallet (Aluminium foil/Nut/Steel)
Two case parts (Aluminium)
„Scepter“ proximity sensor / capacitance sensor. (Copper / Arduino)
The device measures the capacity of the scepter, which is one half of a capacitor, the other is the environment. Changing the environment changes the capacitance and thus the frequency with which the oscillator, which contains the capacitor, oscillates. The device measures the period duration (1 / frequency) and digitally generates a tone that is “inspired” by the period duration. The device generates a sound that is influenced by the capacity.
Out-dated „Singer“ lamp part that has been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium)
Metal sheet 65 cm x 84 mm (Aluminium)
Aluminium foil strips 100 cm x 11 cm
Metal sheet 29 cm x 42 cm (Aluminium)
„Ladder“ 240 cm x 55 cm (Steel)
Two Piezo microphones
Jazzbrush (Copper / Steel)
Ten pieces of bottle caps
Steel plate 40 cm x 25 cm
Cutter (Steel)
Hanger (Steel)

The 25-minute piece is partly improvised with strict time specifications. The focus is on the spatial aspect of the sound. The sound moves alternately from the sound producer (me), behind the audience, to the sound producer, where the installation is located. Partly, the sounds mix together and form a cacophony. This leads to disorientation, among other things.

During an introductory seminar in the HGB in 2011, Prof. Julia Blume showed a photo that awoke my interest. The author of the photo is Evelyn Richter, a former student of the HGB. For me, this photo already seemed to make music. I thought it was a kind of concert performance. The figure in the photo stands upright, with much inner tension and great will. I saw her as a medium for music. When reviewing the photo, I wanted to find out how I can create sounds from the objects or develop instruments from them. The photo works as a catalyst to find new instruments. I wanted to re-read the photo with metal instruments.

For the premiere on 23.09.2017, I made a costume. Departing from the photo and putting importance on wearing colors like white and aubergine red. I sewed a hat, inspired by the hats in Armenian folk dance, with two artificial braids. Afterwards, when I saw the result in September I realised that my costume looked like an Afghan nomad dress. When viewing the photo at the end of the year, the person depicted seemed scary to me. Something is uncanny – to the point of something unspoken. She reminded me of Sun Ra and Laurie Anderson, who both use their music as an utopian and transformative grammar to arrive on a different level.

According to Susan Sontag, subjects gain pathos when photographed. During the research process, I saw Maryam Sahinyan’s studio photos. In her photo studio the background never changes and there is only one carpet as decor. People have great deal of freedom to stage themselves in front of the camera / or to become an image themselves. As a child, I had made this surreal experience in my father’s photo studio. Later, I found out that the author of the photo lives in Dresden, from several sources. I decided to contact her to find out more about the photo.

Re-enactments are usually happenings or events with a course of development. The photo “Selbtsinszenierung” is a capture of a moment and demonstrates “I was there”.
The sounds in the concert are, however, inherently immaterial and moving. Sound is time. When I met the author, among other things, I learned that the photo was present at all her exhibitions during the GDR era. After the visit, I wrote a text “Visiting Evelyn Richter on 04.01.2018 in the Anthroposophical retirement home „Christengemeinschaft Rudolf Frieling“ in Dresden”, about my experience.

The Leporello, which serves as accompanying material for the concert, contains excerpts from my text and several collages, from Evelyn Richter’s photo “Selbtsinszenierung”, the development process of the score, the documentary photo of the premiere and the self-made costume.

@ YUP Festival. Kunsthalle Osnabrück – in the tower “Bürgergehorsam” on 27.10.2018

An installative electro-acoustic concert with accompanying Leporello, 10-sided zigzag fold, 390 mm x 100 mm, Samplr (music app), Dayton Audio Sound Exciter (attachable speaker) and self-made instruments in the order of their sounding:

„Scepter“ proximity sensor / capacitance sensor. (Copper / Arduino)
The device measures the capacity of the scepter, which is one half of a capacitor, the other is the environment. Changing the environment changes the capacitance and thus the frequency with which the oscillator, which contains the capacitor, oscillates. The device measures the period duration (1 / frequency) and digitally generates a tone that is “inspired” by the period duration. The device generates a sound that is influenced by the capacity.
„Lyre-drum“ (Steel)
Timpani mallet (Aluminium foil/Nut/Steel)
Metal sheet 65 cm x 84 mm (Aluminium)
„Singer“ Out-dated lamp part that has been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium)
Aluminium foil strips 100 cm x 2 cm

The 12-minute piece is partly improvised with strict time specifications. The focus is on the layering aspect of the sound. The sound moves alternately from the sound producer (me), behind the sound producer, where the metal sheet is located, behind the audience, and behind the sound producer again. The layered sounds blend and form an epic ambience.

Danke an / Thanks : Dezentrale e.V., Max Schöpflin, Julia Blume, Peter Richter, Agnes Nguyen, Tina Bara, Nils Wange, Jeannette Brabenetz, Johannes Oestringer, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Max Schneider, Tobias Raayoni Last, interaction Leipzig e.V., Bettina Wija-Stein

Saknade Tjocka Linjer / Missing Thick Lines / Fehlende Dicke Linien / կորած Հաստ Գծեր

For English see below

Saknade Tjocka Linjer Missing Thick Lines Fehlende Dicke Linien կորած‭ ‬Հաստ‭ ‬Գծեր

Eingebundenes Buch, Papier weiss 100 Gramm, 201 Seiten

205 mm x 255 mm

2017-2021

gofundme.com/2prints

Hier klicken, um jetzt zu spenden!

@ Buchübergabe am 8.12.2017 Hochschularchiv der HGB Leipzig

Das Buch habe ich im Mai 2017 angefangen. Das Buch enthält eine Reihe von Zeichnungen, die Karten darstellen. Sie entwickeln sich, werden auseinander geteilt und neu zusammengesetzt. Sie sind irrational, aber im Dialog mit der armenischen Ornamentik. Das Buch besteht auch aus Found-Footage-Material: Screen shots von der Facebook-seite „ArmTravel“ vom Reiseführer Vahagn Grigoryan. Es handelt sich genauer gesagt um Screen shots von dokumentarischen Fotos mit dem Titel „today“ oder „now“.

Der Leitfaden des Buches ist die Suche nach einem schwarzen Stein, den ich mal während einer meiner ersten Reisen in Armenien gefunden habe.
Die Frage, was für einen Stein es ist, führte mich zu Geologen in Leipzig, Geologen in Jerewan und weiter, durch die Berge, auf dem Weg des Steines…
Meine zwei letzten Forschungsreisen nach Armenien haben mich unter anderem zu einem Buch mit Gedichten von meinem Opa in der Armenischen Nationalbibliothek geführt.

Der Ursprung des Buches ist die Zwischen-Identität und das Privileg, sich nirgendwo fremd zu fühlen. Es geht um das Identitätsstiftende, Gemeinschaftliche, um die Zugehörigkeit bzw. Entfremdung, um Heim und Heimweh. In der Stille der Gegenwart werde ich mit Fragen über meine Wurzeln ständig konfrontiert. Ich bewege mich dank einer Art Dokumentationswut und lege viel Wert auf den subjektiven Blick und auf die eigene Erfahrung. Mittels meiner Recherche werde ich bodenständig und gleichzeitig begleitet in Richtung einer Art Fata Morgana.

Der Stein, der im Buch immer wieder auftaucht ist für manche nur ein Stein, den man auf das Regal stellt. Für andere, etwas Spürbares. Wenn ich einen von diesen Steinen in meine Hand halte, ist das für mich ein Bezug zum Buch als einen Teil von mir selbst, den ich in meiner Hand halte.

Die Texte (abwechselnd in all den Sprachen, die ich spreche: Schwedisch, Englisch, Deutsch und Armenisch) sind von mir. Auch die Fotografien, Zeichnungen und die Gestaltung sind von mir.

Es wird drei Exemplare davon geben: ein Exemplar für meine Familie, ein für die Mirzoyan Library in Jerewan und schon seit 13.12.2017 ist ein Exemplar im Hochschularchiv der Hochschule für Grafik und Buchkunst zur Verfügung.

@ ID | Cultural Memory in the Present, 13.12.2017 – 20.01.2018 HGB Galerie, Leipzig

“Guten Tag,

Sie befinden sich in der Galerie der HGB.
Um mein Buch anzuschauen, haben Sie ab dem 13.12.2017 ein Exemplar im Hochschularchiv der HGB zur Verfügung.
Das zweite Exemplar wird demnächst in meiner Familie sein, das dritte in der Mirzoyan Library in Jerewan/Armenien.

Das Hochschularchiv ist für Rollstuhlfahrer zugänglich.
Einfach durch den Lichthof gehen.
Wenn Sie die andere Seite erreicht haben, befinden Sie sich jetzt bei der Treppe am Eingang. Biegen Sie dann rechts ab und gehen Sie geradeaus, durch einen langen Korridor mit schöner Akustik. Zu Ihrer rechten Seite befindet sich der Hof, wo Sie sich über das Wetter informieren können.
Wenn Sie die Bibliothek zu ihrer linken Seite haben, biegen Sie rechts ab und Sie sind gleich am Zielort, Raum 50, das Hochschularchiv der HGB.

Bitte vereinbaren Sie einen Termin:
klotzsch@hgb-leipzig.de”

@ Buchpräsentation am 103. Genozid Gedenktag den 24. April 2018 an der HGB Leipzig. Dokumentation/Illustration von Elisabeth Mossbauer (http://liliova.tumblr.com)

Saknade Tjocka Linjer Missing Thick Lines Fehlende Dicke Linien կորած Հաստ Գծեր

Bound Hardback book, Paper white 100 gram, 201 Pages

205 mm x 255 mm

2017-2021

@ Book handover on 8.12.2017 HGB University Archive Leipzig

I started the book in May 2017. It contains a series of drawings, which represent maps. They evolve, are divided in two parts and reassembled. They are irrational, but in dialogue with Armenian ornaments. The book also features found footage material: screen shots of the Facebook site „ArmTravel“ from the travel guide Vahagn Grigoryan. More specifically, they are images of the documentary photos titled „today“ and „now“.

The main theme of the book is about the search for a black stone, which I found on one of my first trips to Armenia. The question of the nature of that stone led me to geologists in Leipzig, in Yerevan, and further through the mountains, on the path of the stone. Amongst other things, my last two research trips to Armenia led me to a book of poetry by my grandfather at the Armenian National Library.

The book is about the in-between identity and the privilege of not feeling Other anywhere. It is about the identity shaping, collectiveness, about belonging and alienation, about home and homesickness. I am constantly confronted with questions about my roots, in the stillness of the present. I move forward thanks to a red taping, putting particular importance on the subjective gaze and its experience. In the research process for the book I become both grounded and led towards a sort of mirage.

For some, the stone that keeps resurfacing in the book, is just a stone put on the shelf. For others, the stone is something sensible. For me holding one of these stones in my hand, it is a reference to the book as a part of myself.

I am the author of the text, which shifts between the languages I speak: Swedish, English, German and Armenian. I also produced the photos, the drawings and the graphic design.

There will be three copies of the book: one copy for my family, one copy for the Mirzoyan Library in Yerevan, and, since 13.12.2017, there is a copy at disposal at the HGB University Archive Leipzig.

@ Book presentation on the 103rd Genocide Remembrance Day April 24, 2018 at HGB Leipzig. Documentation / Illustration by Elisabeth Mossbauer (http://liliova.tumblr.com)

Territorial Agendas

Untitled

Zaida Guerrero Casado & Melody Panosian

Site-specific installation on the east side coartyard of Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig during HGB Rundgang 2016

Cobblestones, white rope, wall 

We provoked, and promoted a wound on what would normally be a solid and stable base. We altered the ground made out of cobblestones.
We wrapped the cobblestones in ropes and placed them carefully back into their original holes. One of them was placed prominently on the sidewalk, marking the outside. Two cobblestones: One also placed outside, right in front of the wall, and the other one on the other side of the wall. The rest of the cobblestones shaped a long two branched scar.

The “wound state” reveals the sand underneath the cobblestones and allows two different possible evolutions: A healing phase, through which the lived experience or even the pain could be integrated. Its reopening by pulling the stones out again, which implied a revision, a reawakening of the pain, where aggression and suffering would meet. Thus, the cobblestones had the potencial to be a stitch but also a weapon.

In any case, the wound offered the chance to build something new as a result of an interaction. The decision relied on the visitors, who transformed and manipulated the work. These interventions were revealed through time.

Statement

Faltposter

594 mm x 840 mm (DIN A1)

Rollenpapier 90g, Handykamera.

2011-2015

@ HGB Rundgang 2015

Abtnaundorf

Eine Videointervention von Jakob Argauer, Danny Degner, Jakob Wierzba, Melody Panosian

27.01.2013

10.00 – 12.30

Live-Video-Übertragung, Leinwand 180 cm x 360 cm

Begleitende Publikation, DIN A4, 20 Seiten, Auflage 450

Jährlich am 27.01. lädt die Stadt Leipzig anlässlich des Gedenktages für die Opfer des
Nationalsozialismus zu einer Gedenkveranstaltung ins Neue Rathaus und zum Mahnmal in
Abtnaundorf ein.

Mit bereitgestellten Shuttle-Bussen fahren die TeilnehmerInnen vom Neuen Rathaus Leipzig zur Gedenkveranstaltung nach Abtnaundorf. Dort findet die eigentliche Gedenkveranstaltung statt, die mit dem Rücktransfer ins Rathaus, einer Schweigeminute, kurzen Redebeiträgen und einem Catering ihren Abschluss findet.

Am 27.01.2013 haben wir die Veranstaltung als Bestandteil des protokollarischen Ablaufs der
Stadt Leipzig in Form einer Videointervention, einer Publikation und eines Redebeitrags begleitet.

Dafür wurde ab 10.00 Uhr eine Live-Video-Übertragung vom Mahnmal auf eine in der Unteren
Wandelhalle des Rathauses installierte Leinwand projiziert. Zeitgleich waren damit im Rathaus die Vorbereitungen der Veranstaltung am Mahnmal, die Ankunft der Gäste, die Gedenkveranstaltung unter Beteiligung von RednerInnen und des Gewandhauskinderchores und die Abreise der TeilnehmerInnen nebst Abbau der installierten Technik zu sehen.

Während des Bustransfers haben wir eine Publikation verteilt, die sich als längerfristige
fotografische Beobachtung sowohl mit dem Ort des Mahnmals als auch mit seinem weiteren
Umfeld auseinandersetzt und das Vorgefundene jenseits von Ritualen des Gedenkens in seiner
alltäglichen Praxis sichtbar macht. Mit der Rückkehr ins Neue Rathaus hatten die TeilnehmerInnen die Möglichkeit vor die Live-Übertragung und damit vor das Bild des eben besuchten und bereits wieder geleerten Ortes zu treten. Vor diesem Bild des Gedenkortes mit allen Spuren der Veranstaltung und bei gerade einsetzendem Schneefall haben wir unsere Arbeit in Form eines Redebeitrags vorstellen können. Um 12.30 Uhr wurde die Live-Projektion abgeschaltet.

content f(x)=#025 (Live-painting in Modul8, photo prints, photomontage)

Live-painting in Modul8, photo prints, photomontage

3.12.2012

17:00-22:00

@ Container in the courtyard of Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig

Documentary photo: Jakob Wierzba
www.jakobwierzba.de

Other things

Offenes Mal-Atelier

Malerei, Zeichnungen, Objekte, Metalltisch, Video

2.-19.07.2012

@ Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig

Photo (1-10): Jacob Wierzba
http://www.jakobwierzba.de/

Photo (12-16): Francesco Candi

Wenn die Bilder Dinge sind, ist der Akt des Malens Etwas Anderes. Während der Ausstellung Other things verwendete ich die Galerie als Mal-Atelier.

Mich interessierte was ich zum Malen brauchte: Keilrahmen, Klebeband, Pinsel, Pigmente und so weiter. In meinen ersten Bildern sind diese Gegenstände Motive.
Other things als etwas anderes. Other things als kulturelle Einflüsse. Aber auch Other things wenn Malerei exotisch wirkt.

Der Regelmäßige Galerie-situation für Malerei ist die betrachtenden Subjekt und Kunstwerk als Objekt. Aber in erfahrung ist ein teil alle austellungen/ Galeriesituationen
Interaktiv.
Medienkunst untersucht die Werkzeuge und das Medium – die Handlung, die Zeit, den Raum und die Verwendung des Werks.
Der Besucher stellt Verbindungen zwischen den Objekten im Raum her und wird sich dieses Prozesses bewusst, da die Objekte aus verschiedenen Positionen erfahrbar sind.
Im ausgestellten Atelier erhält alles im Raum die gleiche Bedeutung: je größer es ist, desto mehr Abstand wäre nötig. Körperliche Beteiligung wird unvermeidbar. Der Besucher taucht in den Mittelpunkt ein.

Other things ist ein Raum in sich selbst und nicht von Dingen umgeben. Other things sind die Spuren des Besuchers, seine Position im Raum. Die Spuren des Arbeitstages.
Other things nähert sich einer performativen Situation. Die Bilder werden nicht autonom sondern bleiben Kreationen des Prozesses.
Meine Frage war, was ich mit der Malerei als Medium zu tun könnte und was macht ein offene atelier Situation mit dem Raum und umgekehrt, was hat den ausgestellten Raum mit den Gemälden zu tun.

Photosession, The Ballet Artbomb

http://www.artbomb.nl/page/5448

Direction, costume, performer: Melody Panosian

Camera: Florentina Holzinger

Location: The Amsterdam Music Theatre, Amsterdam 2011

What kingdom. Of all damn human. Animals. Nothing important

What kingdom. Of all damn human. Animals. Nothing important

Objects, video installation, performance

2011

@ Spinnerei Leipzig

4 GB USB stick with 11 videos
The stick includes the floorplan of the performances and 11 preporatory videos with music by David Hamer Atlas, Anne Laplantine, Sean Cannock, DZR:P amongst other stars.
This collection of videos was played continously on my computer during the installation. Below the computer USB sticks, including price information. The music video King was shown during the performance.

“I need someone from the audience”. I put on King video on my computer. The audience member pours milk on me while I am upside down. I put coal on my feet and hands like chalk in sports. Acrobatics with legs and feet.
With my back to the audience, I put little red eggs in my swimsuit. Pink water runs down, mixed with the milk on the floor, it forms a pink little lake.

“I need someone from the audience, it concerns filming”. The audience member films the last 30 min of the performance. Cleaning up takes time.

Various interactions happen during the performance. Two performers from another show come in and I ask them to join.

King, a music video for Jazz Jam

The song Jazz Jam is made on Internet via an online jamming site

What kingdom. Of all damn human. Animals. Nothing important

2011

@ Spinnerei Leipzig

Performer, video, camera: Melody Panosian

Music: Sean Cannock, Melody Panosian, Penis Mcgee

Ethiopian dances; Wello, Guragigna, Tigrigna and Wolaita

In April 2010 I was in Addis Ababa, Ethiopia for a one month Ethiopian traditional dances workshop at Adugna Dance Theatre Company. Adugna was also the only contemporary dance company in Ethiopia.
There are 84 Ethiopian dances and I practiced 4 of them; Wello, Guragigna, Tigrigna and Wolaita. The dances come from different tribes in different regions in Ethiopia. These tribes differ in traditions, religion etc.
Wello – a dance from Wello tribe in the northern Ethiopia.
Guragigna – southern Ethiopia.
Tigrigna – north / middle Ethiopia.
Wolaita – southern Ethiopia.

The dances are summarised under the name Wuzuwaze and more shoulder emphasized dances go under the name Eskesta. In all Ethiopian dances there is a integration of rhythm/movements and improvisation is enabled because every body does the dance differently. The dances are performed in groups or in pairs and as rituals, they serve a narration.
I was taught these 4 Ethiopian traditional dances by 2 teachers. I also attended morning classes in contemporary dance with the Adugna Dance Theatre Company and gave a choreography workshop for Adugna Dance Theatre Company. In addition, I taught contemporary dance to the children that study Ethiopian traditional dances at the Ethiopian National Theatre.

Addis Ababa is a green city that looks like a roller coaster. Holes spontaneously emerge in the asphalt. When I first arrived in Addis it was full Easter celebrations. Many women had solemn white
linen dresses and scarves and the streets where swarming with goats and chickens. As soon as the Easter weekend and the 55-day fasting was over there was no honking and bleating in the night and the only sound left was the dogs howling.

My first teacher in Ethiopian traditional dances was Shiferaw Tariku. These private classes where relatively formal, although these are social dances. The music, signals the parts are for “transition movements” and “dance movements”.
Because some dance sequences required a partner, Shiferaw danced with me.

My sceleton and my joints needed alot of practice to adapt to the shoulder movements. Shiferaws goal was to teach me the above 4 dances beacuse of their distinguished rythms.

My second teacher in Ethiopian traditional dances was Temesgen.
Temesgen is famous in Ethiopia for being an excellent traditional dancer. He teaches the traditional
Ethiopian dances to 4 year old children to 20 year old teenagers. There are a total of 40 children that dance with Temesgen. They practice at the Ethiopian National Theatre where they dance on the stone floor.

The first time I visited Temesgens students in Ethiopian National Theatre they asked me to give some classes in contemporary / modern dance two times a week. I tought them an old solo dance phrase, titled Isis. We made a group composition of the solo. We also made an improvisation out of the Isis movement material.
Temesgen is very religious, starting the class, they all join hands in a circle and pray together. Temesgen had never tought a foreigner traditional Ethiopian dances, prior to me. To see Temesgen dance was like seeing embodied music. He sings constantly while dancing. Temesgen always asked me, “You feeling it?”. According to him, feeling the music and its rythm was core.

You should create your own dance style,  follow the music, follow the rhythm within.

– Temesgen

Camera: Addisu Demissie Kifle.
Me, dancer Temesgen and contemporary dancer Nuria Mohammed.

During my visit, Adugna was the only contemporary dance company in Ethiopia. The Adugna members work in diverse ways; as dancers with international choreographers. Also, Adugna creates dance with people with AIDS as well as with disabled people. They have had training in classical ballet, contemporary dance and African dance. Their dance studio had a functional dance floor but the audio equipment was very unpredictable. There was electricity on occasions but you never knew when. There was no electricity when it was raining.
My schedule consisted of morning training in contemporary dance/improvisation with Adugna dance company and in the afternoon I had my own traditional private Ethiopian traditional dances training. Adugna asked me to give a workshop in choreography.

In One hour walk we walk in couples for one hour through the city to create a piece of choreography. The process and research time becomes identical with the rehearsal time. We walk around a shared public space, then we bring that experience back to the studio and show a choreography. Me and my working partner Adissu walked around the Markato Market, where half a million peoples houses had recently been totally removed. During that walk we tossed a mango back and forth between us, to make it softer. We talked about that for others, I was a forengee.

During my stay in Addis Ababa I also participated in a traditional coffee ceremony, preparing the ceremony myself. Later, I was also invited to an orthodox wedding ceremony.

Kindly supported by Swedish Arts Grants Committee

Weaving the Webs

Sara Harro & Melody Panosian

Weaving the Webs

Video installation, 8 performance actions

16 – 28.10.2009

@ Phoenix Radio, Kunsthaus Bethanien, Berlin

Weaving the Webs is a video installation that includes 8 performance actions.
Each performance action had its own title; Dry, Suitcase, Factory, Ones, Zeros, Unlooped, Looped and Woven and each about 2-7 minutes long.

The installation was transformed after each performance action; The web changed shape and quality, the net was interwoven and the boxes where moved around.

During the 3 week exhibition period mine and Sara Harro’s ideas where also interwoven.
We wanted to keep our process similar to the hypertextual chaos that is characteristic to the internets condition.
We dealt with health and community in the drudgery and mediocrity of neo-liberal culture.
We where inspired by cyborg women, innocence in all its forms, computers as artists, people as machines and nature as technology.

The Lonesome Cowboy for Florentina Holzinger

The Lonesome Cowboy for Florentina Holzinger is a solo performance where I pushed the performer Florentina Holzinger to a point where she was very sensitive to sounds created by herself in the space. I worked out a method in which Florentinas listening skills would be central. The movements derived from constant questions asked in the body. In the dance studio we exercised moving the body with low pelvic guttural sounds and high throat sounds. We made sound research as a working method. We studied musique concrete and we recorded layers of everyday sounds. Sitting in a park, we interviewed the composer, Tian Rotterveel, about sound perception and phenomenology. We did all this, to practice listening and open up the possibility for accumulating new interests and choices in sound- and movement-making. Quadrophonic speakers where panned during the performance to bring the performer to yet another level of sound environment. This eventualy broke down her own sound and movement vocabulary to the state of chaos and adrenaline. A state of trance or hysteria. Creating hidden performativities in fluidity, without the rigidity of the conciouss.

Direction, choreography, costume, light design, sound engineering: Melody Panosian

Performer: Florentina Holzinger

Location: SNDO 1 Festival, Amsterdam 2008

Photo session, The Lonesome Cowboy for Florentina Holzinger

The poster for the performance The Lonesome Cowboy is meant to give a certain expectation to the audience before seeing the performance. Later, the expectation is not to be fulfilled. The costume is a reference to the heroine in Kill Bill, but my main aim was to place a non descript person in a rural landscape.

Direction, costume, camera: Melody Panosian

Performer: Florentina Holzinger

Location: Nieuwe Meer, Amsterdam 2008

Flyer for The Lonesome Cowboy for Florentina Holzinger

Itchy and Scratchy

Ragnheiður Sigurðard Bjarnarson, Mari Ylipihan, Melody Panosian

Split-screen concert

Itchy and Scratchy

2007

@ Dance and media culture lab DAMA, University of Lapland, Rovaniemi

Dance and media culture lab DAMA – Performing Space, time and media;
a collaboration between visual artists and dancers.

Working with tactility and listening – improvised sound/movement.

Itchy and Scratchy is a split-screen concert. One side of the screen shows a performer moving her hand. The other side of the screen shows a performer playing a circuit bent radio.