Assemblage 325 x 305 cm Raw fabric Acrylic paint Permanent marker Charcoal Fabric glue 2024
It will be exhibited 27/4 – 4/5 2024 at Husby Konsthall in Stockholm
How do I want the day to be when the sun rises? It’s not up to me, I don’t really know what to imagine.
Slowly an image emerges, and one more, only fragments not yet belonging to a particular vision. When I move and pokethe images, they too start moving. I bend with the movement of swaying chatter and striped pulse.
As each image forms and appears in clarity, some call them symbols while others call them abstractions still.
—
Stripes of bandages out of torn raw fabric. I pulled out threads in a process of undoing some of them. Twisted the bandages into bundles, painted them and secured them with rubber bands and left over threads. I waited for each bundle to dry, before leaving them to soak in water-thinned acrylic paint. Upon releasing the bundles I folded, painted and made imprints on them with object, then waited for each bandage to dry. After painting the background on two large pieces of raw fabric, I pinned the bandages on the background and continued painting the assemblage with acrylic paint, permanent marker and charcoal. I used fabric glue to fasten the assemblage, put pressure and waited for each bandage to dry before removing the pins.
Written där vissa delar tidigare ställts ut som När.
Någonting är dolt i kolet, det förstörda virket, det förstörda blanka pappret, det slutgiltiga kvarstår som aska och doft.
Written är förgången. Att skrida till handling, att skrapa en yta, slita, klippa. Att skriva något som redan är sagt.
Framställer en verklighet där någonting har tagit slut, är det då en förmåga att förstöra.
Isahia Berlin (1909-1997) filosof som myntade begreppen negativ och positiv frihet, ansåg negativ frihet som den viktigaste. Positiv frihet är då vi agerar som vi vill och önskar. Vi tar ner någons konst, vi river ner någons konst, vi puttar saker på någons konst, vi bränner upp den. Negativ frihet, att vara fri från någonting. Fri från att någon förstör ditt konstverk, fri från en förtryckande yttre kraft. Det är det som är skillnaden på att göra det man vill och att göra det man kan.
The atelier house is situated in Ulleråker, the former mental hospital (called the Asylum) in Uppsala, Sweden.
Sick and tired of the atrocities happening in since long occupied Palestine, I hung the Palestinian flag on the facade of our atelier house. I was expecting nothing but hoping to evoke clear cut steps towards solidarity with the Palestinian people. I hung also an abstract paper version of the flag; A negative of the original flag inside the atelier house.
As an Armenian, I know that it is the documenting of a genocide that makes genocide what it is. What it is.
When we as witnesses look away, displacement and genocide can take place without a trace. The efficiency of genocidal idea, apart from the killing of intellectuals, is ending woman and children’s lives. Children are the very seedlings of the landscape and the crops of its people. The people left behind with generational trauma.
The following day we received an email from the landlord saying we should remove the flag ASAP. Unfortunately the email did not state why we ought to remove it.
Upon arrival I found the flag next to the trash and the abstract version of the flag left on the floor facing my atelier door. Little did I know, a neighboring artist had removed it. I confirmed this in conversation with the landlord.
According to a fascistoides Gedankengut people have audacity to destroy art.
Despite making an active choice but the artist has not yet admitted to the removal. Furthermore, an artist asked me to remove even more art in the corridor of my atelier in a paternalistic manner.
I would like to ask the artist the following;
How come the Ukrainian and the Swedish flags in our atelier corridors are OK?
Can you see yourself in the genocide of the Palestinians?
It doesn’t matter that the genocide of the Palestinian people is the most well documented genocide in the history of humanity. Unlike Ukrainians, Palestinians are not a “perfect victim”, not white.
I now have hung the flag from inside the window facing the landscape, looking out of its imprisoning “home”. Visible from the outside but still unsafe and propelled into exulansis.
Burnt timber and burnt blood. Building boards with acrylic paint. On corridor floor during Open Ateliers at Norra Flygeln Ulleråkerssjukhuset, former mental hospital in Uppsala/Sweden
2022
Made with analogues dips between acrylic painting and musical jams (Ipad,voice,mixer). A wiretap dialogue of misunderstanding, imbalance and friction. Vibing together in movement, structure and texture.
“Alla behöver egna rum ibland” Isobel Hadley-Kamptz, Twitter quote
The sculpture is intended as a meeting place and protected zone for women, a place for discussions, poems, speeches, interviews, stories, testimonies, etc. The sound material, recorded by me, intended for a future work.
The shape of the sculpture inspired by the headwear and clothing of the Beguines. These clothes gave them access, the key, to the public space in which they participated with their labour. The shape of the sculpture is also inspired by the Begijnhof = Beguinage, where the beguines lived and worked. The beguinages were semi-enclosed, separatist houses that functioned as a city within a city.
Kindly supported by Kulturutveckling Region Uppsala
Tack: Uppsala Maker Space, Kultur och Bildning Region Uppsala, Kulturkvarteret Örebro, Örebro Konsthall, Pea, Björn, Poli, Rasmus, Bilda, Axel, Alberto, Pierre Henriet, Tomas, Rebecca, Stéphane Querrec, Alexander Creutz m.fl
Windy
Improvised jam on prepared piano
2019 @ Kunstverein Röderhof Harz/Germany
Prepared piano
Self-made instruments:
Timpani mallet (Aluminium foil/Nut/Steel)
Out-dated „Singer“ lamp part that has been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium)
Piezo microphone
Attachable speaker on steel plate (40 cm x 25 cm).
x2 Attachable speakers on piano
iPad, Music Apps: Samplr, Borderlands, AUM
Mixer: Behringer XENYX UFX1204
Speaker System: DAVE 10G3
Sound/video editing: David Hamer Atlas
Danke: Jeanette Brabenetz, Kunstverein Röderhof, Huysburg Monastery, Woman In Exile & Friends, Nadia Ibrahim, Untraining The Ear Days/Workshops, Snorri Karlsson, Hiltrud Blaier, Sven Heinrich, NASA Fackas und der Milchstraße, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Jan T Sutter, Yunuen Rhi, Uwe Gellner, Michael Schlorke, Dirk Apitz, David Hamer Atlas
Kele, kele / Քելե, քելե
Improvised version of Armenian folk song ‘Քելե, քելե’ performed on prepared piano
2019 @ Kunstverein Röderhof Harz/Germany
Prepared piano
Self-made instruments:
Out-dated „Singer“ lamp part that has been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium)
Piezo microphone
Attachable speaker on steel plate (40 cm x 25 cm).
x2 Attachable speakers on piano
Melodica
iPad, Music Apps: Samplr
Mixer: Behringer XENYX UFX1204
Speaker System: DAVE 10G3
Sound/video editing: David Hamer Atlas
Danke: Jeanette Brabenetz, Kunstverein Röderhof, Huysburg Monastery, Woman In Exile & Friends, Nadia Ibrahim, Untraining The Ear Days/Workshops, Snorri Karlsson, Hiltrud Blaier, Sven Heinrich, NASA Fackas und der Milchstraße, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Jan T Sutter, Yunuen Rhi, Uwe Gellner, Michael Schlorke, Dirk Apitz, David Hamer Atlas
A collection of 4 improvised ambient soft-drone jams in the cellar vault of Kunstverein Röderhof / the former brewery of the Huysburg Monastery
/ a site specific in S. Hohmann’s Obstbau for “Künstler-Museum”
I was researching change and spirituality (versus continuity). The cellar vault like any other big space, contains more spirituality, even if only symbolically, the objects interact and become as one. I was exploring the total absorption in the love of God, in this process of conversing with God, I also started to edit my political love poems. I was partaking in the regular masses in the nearby monastery Huysburg. I wanted to explore with dronal sound-scapes, the depths of a single instrument tone, pulsating elongated sustained tones in a physical space akin to the churches can transform the state of unsettledness of a racialized female body into a real and safe home. I believe that a free and fearless body in space is a statement.
Self-made instruments:
Piezo microphone on metal door
Attachable speaker on steel plate (40 cm x 25 cm)
x2 Attachable speaker on aluminium plate (65 cm x 84 mm).
Melodica
Organ with local stones as weights
iPad, Music Apps: Samplr, Borderlands, AUM
Mixer: Behringer XENYX UFX1204
Speaker System: DAVE 10G3
Sound/video editing: Dirk Sebastian Johann Apitz
Danke: Jeanette Brabenetz, Kunstverein Röderhof, Huysburg Monastery, Woman In Exile & Friends, Nadia Ibrahim, Untraining The Ear Days/Workshops, Snorri Karlsson, Hiltrud Blaier, Sven Heinrich, NASA Fackas und der Milchstraße, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Jan T Sutter, Yunuen Rhi, Uwe Gellner, Michael Schlorke, Dirk Apitz, David Hamer Atlas
Snorri Karlsson & Melody Panosian Paper Planes
2019
Performance interventions
Objects
Video installation
The 20 min video contains several partly-improvised performance interventions, a sort of video diary by a protagonist with a freestanding stone wall at the Gutshof next to Kunstverein Röderhof/Germany. There, in undetermined space, an exploration begins each evening.
The stone wall contains monolithic stone structures that divide the surrounding landscape in two landscapes. The performance interventions a continues throwing and altering of paper planes from one side of the wall to the other side, and beyond.
The initial intention to approach the stone wall and the landscape, imagine, explore and observe the effects of the space on the protagonist, spending time with this space, to appropriate the space.
The paper planes manipulated into the cracks and holes of the stone wall, then, taken out, unfolded and painted on with motor oil found on site. Space blanket. The protagonist moves, together with the paper planes through the landscape, with wooden stick play.
The video installation was displayed on two blocks of cardboard boxes, creating a gap, the gap visible as thin projection on wall behind cardboard boxes. Exhibited in my residency studio space, including the objects from the performance interventions, on the 30th anniversary of Kunstverein Röderhof Harz/Germany.
Sound/video editing of original video: Snorri Karlsson
Sound/video editing: Dirk Sebastian Johann Apitz
Danke: Jeanette Brabenetz, Kunstverein Röderhof, Huysburg Monastery, Woman In Exile & Friends, Nadia Ibrahim, Untraining The Ear Days/Workshops, Snorri Karlsson, Hiltrud Blaier, Sven Heinrich, NASA Fackas und der Milchstraße, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Jan T Sutter, Yunuen Rhi, Uwe Gellner, Michael Schlorke, Dirk Apitz, David Hamer Atlas
* The title of the piece is inspired by the illustration Spiritual Activism: Acts of Vision by the writer Gloria Anzaldúa as well as Anzaldúa’s essay now let us shift… the path of conocimiento… inner work, public acts in this bridge we call home: radical visions for transformation, Ed. Gloria Anzaldúa, AnaLouise Keating (2002)
Fold poster, 280 x 410 mm, Gate Fold, 32 copies iPad, Music Apps: AUM, Mood synth, Borderlands Audio track, Modular synthesizer Sound-reactive LED-light, x6 LED strips, Seeeduino, Grove LED Strip Driver Single-channel Video, Davinci Resolve 14, Adobe After Effects CS6, Resolume Avenue 6, Screen 300 x 200 cm Dual Cassette Tape Deck x3 Type I Cassette tapes Mixer, Behringer XENYX UFX1204 Speaker System, Sony SRS D8 PA-System (Oberkeller)
BACKGROUND
When and how does one’s appearance play a role in performance?
In the field of performance, my personal experience is that it has become increasingly difficult to represent someone who looks like myself. It leaves a feeling of inadequacy and it feels like taking the place from someone who could do the job better.
As performers, as well as backstage, one is ascribed a role based on how one looks, and one can be expected to act accordingly. It is about a categorization, or stereotyping through conventions, in accordance to one’s body, which are inscribed on the person before one gets a chance to describe oneselve. As a result, some people are reduced to their bodies and looked upon as bodies.
When constantly singled out and categorized as Other because of one’s body, the only way to protect oneself against the piece-by-piece dehumanization is constructing a wall: brick by brick. Each brick contains the Self, protects the human flesh and blood, but at the same time operates as fencing.
OBERKELLER
Brick by brick, together with her fellow students, Angela Merkel, who used to be called Europe’s political mother, helped built this room which had laid in ruins for so long that young trees grew on the top.
The fold poster shows a gate folded board of a subjective perspective, which is as detailed as a walk. The board is shot from above, creating a unity. The fold poster is also veiled in the color blue. Open it, and you are invited to view my unconscious intentions, my intuitive exploration, bridging the way to Oberkeller. My intention was to reach the heart of the matter, in the way that Oberkeller is to Leipzig.
MONDASIAN AUDIO TRACK
My back is to the audience on the very bottom of Oberkeller on the right side vault. I create silhouettes with lazy hands against the spotlight. Finger motion, opening and closing, forming a fist. Hand pushing, pulling and sweeping. I playback a “Mondasian” * old school robot sounding audio track from my iPad, the text is a poem I wrote. Meanwhile, my soundreactive LED light, carelessly attached on a blue veil, reacts to the audio track: during silence a weak indigo colored flickering; during speech a bright lemony white.
I am a figure that hardly acts and lets the audience look, listen or follow. The voice is robotic and the figures mouth is kept open. There is neither action nor expression really, but rather a diluted and inhibited machine state. Is it too late? Has the robotic reality taken over the person piece per piece and left only lazy hands and an open mouth? Or is the figure resisting at this very moment? Because when it speaks, the LEDs light up Oberkeller.
*In the science fiction series Doctor Who, Mondasians are artificially modified humanoids, originating from earth’s twin planet Mondas. Regular Mondasians where converted into Cyberman by leftover cyberfication machinery. The first appearance of Cyberman was in 1966.
In the episode “The Doctor Falls”, one of the main protagonists, Bill Potts, is transformed into a Cyberman. Bill initially remains unaware of her cyber-conversion because of her strong sense of Self.
INSIDE / OUTSIDE
I now turn around and playback another audio track. A generated cosmic music (Kosmische Musik) that keeps evolving. Opposite me, a video is projected. In it a protagonist is marking, unraveling and linking the proximity between inner and outer Oberkeller with 50 meters of nub yarn. Oberkeller becomes an exploration of internal space. It becomes the Protagonist that lets audience look, listen or follow. At the end of the video the gaze is returned, with a clear blue sky as its backdrop.
ARCHIVING NOCTURNAL DREAMS
I am sitting next to the stairs on a patchwork of carpets surrounded by old and new technical equipment. I am reading out loud the collection of recent dreams of friends, family and fellow students into my Dual Cassette Tape Deck from letters, and it is audible in the small local speakers next to me.
I asked friends, family and fellow students to send me their dreams description. What interested me was the perspective and position of the dreamer in the dream. Another element that caught my attention was the way dreamers started their notes. I always begin with “Dreamt”. Someone started with “I am writing now”. Others jump right into describing the events of the situation, without much ado.
Since my early twenties I’ve written down my nocturnal dreams. In dreams our position and perception seems to say something about the intention behind our actions. Normally, The Unconscious is described as our unknown wishes and desires. What is unknown to the mind. What we call “intuition” seems to be a sort of knowledge not yet known (to the mind). In this way, the guiding force that we call “intuition” becomes helpful in understanding the unconscious. Intuition is like thinking with the heart: it requires feeling, and closeness. Intuition works in the dark, but without hiding. But intuition is like seeing through touch. The same applies to dreams, which certainly work with conventions, but are best described/explained by their effect on us.
PATCHWORK
I am copying the cassette tape into another one – creating an archive of the dreams. At the same time I am taking samples from the tape into my iPad. Each time I listen to the samples, I get to know the recorded reading: the collected samples create a patchwork that can be heard in the PA, a hypnotic cacophony of voices in the heart of things. The discoball in the vault section starts turning, spinning fragmented dots of light and voices, the audience in Oberkeller in a lucid state across time and space. The harshness of the inhuman figure is replaced by a subject that creates music, the medium which best dissolves the border between Self and the Other.
Thanks: All artists involved in the project, everyone who sent me their transcribed dreams, Moritzbastei, Rick Barkawitz, my parents, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Max Schneider, Camilla Safrankova, Tlalit Raayoni Last, Ella Raayoni Last
Uraufführung @ Women* In Action Day am 23.09.2017 in Rabet, Leipzig
@ an_archiv, zum 20-jährigen Jubiläum des Hochschularchivs der HGB Leipzig
Eröffnungskonzert am 15.02.2018 um 20:00 Uhr in Raum 1.34 (Audiolabor)
Matineekonzerte am 16.02., 17.02., 18.02. jeweils um 17:00 Uhr in Raum 1.34 (Audiolabor)
Installatives elektro-akustisches Konzert mit begleitendem Leporello, Zickzackfalz 10-seitig, 390 mm x 100 mm, selbstgebauter Metalltisch, Samplr (Musik App), Dayton Audio Sound Exciter (aufsetzbarer Lautsprecher) und selbstgebaute Instrumente in der Reihenfolge ihres Erklingens:
Beleuchtungsteile und Glühlampen aus einer Leipziger Passage die veraltet und ausgetauscht geworden sind (Aluminium und Glas)
„Lyra-Trommel“ (Stahl) Paukenschlägel (Aluminiumfolie/Mutter/Stahl) 2 Schachtelteile (Aluminium)
„Zepter“ Näherungssensor/Kapazitätssensor. (Kupfer/Arduino) Das Gerät misst die Kapazität des Zepters, welches eine Hälfte eines Kondensators bildet, die Andere ist die Umgebung. Durch Änderung der Umgebung ändert sich die Kapazität und somit die Frequenz, mit der der Oszillator, welcher den Kondensator beinhaltet, schwingt. Das Gerät misst die Periodendauer (1/ Frequenz) und erzeugt digital einen Ton, welcher durch die Periodendauer “inspiriert” wird. Das Gerät erzeugt einen Ton, welcher durch die Kapazität beeinflusst wird. – Max Schöpflin „Sängerin“ Beleuchtungsteil aus einer Leipziger Passage die veraltet und ausgetauscht geworden ist (Aluminium) Metallblech 65 cm x 84 mm (Aluminium) Aluminiumfolien Streifen 100 cm x 11 cm Metallblech 29 cm x 42 cm (Aluminium)
„Leiter“ 240 cm x 55 cm (Stahl) 2 Piezomikrofone Jazzbesen (Kupfer/Stahl) 10 stück Kronkorken Stahlplatte 40 cm x 25 cm Cutter (Stahl) Kleiderbügel (Stahl)
Das 25-minütige Stück ist teilimprovisiert mit strengen Zeitangaben. Der Fokus liegt auf dem räumlichen Aspekt des Tons. Der Sound bewegt sich abwechselnd von der Klangerzeugerin (ich), bis hinter dem Publikum, bis hinter der Klangerzeugerin, wo die Installation sich befindet. Teilweise vermischen sich die Sounds ineinander und bilden eine Kakofonie. Dies führt unter anderem, zur Desorientierung.
Zum Semesteranfang 2011, während eines Einführungsseminars in der HGB, hat Prof. Julia Blume ein Foto gezeigt, welches meine Interesse geweckt hat. Die Autorin des Fotos ist Evelyn Richter, eine ehemalige Studentin der HGB. Für mich schien dieses Foto schon Musik zu machen. Ich dachte, es handelt sich um eine Art Konzertaufführung. Die Figur im Foto steht aufrecht, mit viel innerer Spannung und grossen Wille. Dieses habe ich als Medium für Musik gesehen. Bei der Wiederbetrachtung des Fotos, wollte ich herausfinden, wie ich aus den Gegenständen, Klänge erzeugen bzw. daraus Instrumente entwickeln kann. Das Foto funktioniert als Katalysator, um neue Instrumente zu finden. Mit Instrumenten aus Metall, wollte ich das Foto neu lesen.
Für die Uraufführung am 23.09.2017 habe ich selbst ein Kostüm gemacht. Ich ging immer noch vom Foto aus, deshalb war es für mich wichtig, Farben wie Weiß und Aubergine-Rot zu tragen. Ich habe einen Hut, aus dem armenischen Volkstanz, mit zwei künstlichen Flechten zusammen genäht. Als ich im September das Ergebnis vor meinen Augen hatte, stellte ich im Nachhinein fest, dass mein Kostüm wie ein afghanisches Nomaden-Kleid aussieht. Bei Betrachtungen des Fotos Ende des Jahres, schien mir die dargestellte Person abschreckend. Sie hat etwas Unheimliches – bis hin zu etwas Unausgesprochenem. Sie hat mich an Sun Ra und Laurie Anderson erinnert, die beide ihre Musik als utopische und transformative Grammatik verwenden, um auf einer anderen Ebene anzukommen…
Laut Susan Sontag, bekommen Subjekte einen gewissen Pathos, wenn sie fotografiert werden.
Während der Recherche, habe ich Maryam Sahinyans Fotos von ihrem Studio gesehen. In ihrem Fotostudio ändert sich der Hintergrund nie und es gibt nur einen Teppich als Einrichtung. Die Leute haben einen großen Spielraum, um sich vor der Kamera zu inszenieren bzw. um selbst zum Bild zu werden. Diese surreale Erfahrung habe ich als Kind im Fotostudio meines Vaters gemacht. Anschließend habe ich von mehreren Quellen herausgefunden, dass die Autorin des Fotos in Dresden lebt. Ich habe mich entschieden Kontakt mit ihr aufzunehmen, um mehr über das Foto zu erfahren.
Re-enactments sind normalerweise Geschehnisse oder Ereignisse mit einem Verlauf. Das Foto “Selbtsinszenierung” ist ein Festhalten eines Moments und zeigt auf „Ich war da“.
Die Sounds im Konzert sind aber von Natur aus immateriell und bewegen sich. Sound ist Zeit. Als ich die Autorin getroffen habe, habe ich unter anderem erfahren, dass das Foto in der DDR-Zeit bei allen ihren Ausstellungen dabei war. Nach dem Besuch habe ich einen Text Besuch bei Evelyn Richter am 04.01.2018 im Anthroposophischen Altersheim „Christengemeinschaft Rudolf Frieling“ in Dresden, über meine Erfahrungen geschrieben.
Der Leporello, der als begleitendes Material für das Konzert dient, enthält:
Ausschnitte aus meinem Text und mehrere Collagen, aus Evelyn Richter’s Foto “Selbtsinszenierung”, der Entwicklungsprozess des Partiturs, das Dokumentationsfoto von der Uraufführung und das selbstgemachte Kostüm.
Heute. Der 5. Mai 2018 ist einem Tag, an dem ich mir die Zeit genommen habe, diesen Text über mein Evelyn Richter Reenactment zu aktualisieren. Auf dem Weg zur Bibliothek, gehe ich am Augustusplatz vorbei. Es gibt eine Autoshow mit DDR-Autos. Ich setze mich hin, um die Stimmung in mich aufzunehmen. Ich frage meine Nachbarin neben mir auf der Brunnentreppe, eine Frau mit langen braunroten Haaren, ob es ausschließlich von Autos aus der DDR handelt.
Sie erzählt, dass die Autoshow jährlich stattfindet. Im letzten Jahr in Dresden und dieses Jahr in Leipzig. Aus der Brunnentreppe, auf der wir sitzen, stehen alle Autos, die von Besuchern umgegeben sind, und im Hintergrund steht die Oper Leipzig mit neuen Gerüsten für Restaurierungsarbeiten.
Es ist eine besondere Stimmung. Eine konzentrierte Dichte. Wir sprechen darüber, dass Erinnerungen aus der DDR-Zeit zum Vorschein kommen, einfach indem man diese Gegenstände (Autos) auf dem Augustusplatz platziert. Und für jene Besucher, die die DDR-Zeit noch nicht erlebt haben, ist dies ein Moment der Bildung.
Sie erzählt, dass es in der DDR keine Demokratie gab und dass die Polizei viel härter war als heutzutage. Ich erzähle ihr, dass viele Kinder von Künstlern im Gefängnis geboren sind. Eine Frau mittleren Alters geht die Treppe hinunter, auf der wir sitzen. Sie erzählt ihrer jüngeren Freundin “Jetzt wirst du sehen, jetzt wird es ganz historisch für euch”. Die Autos fangen langsam an sich aufzulösen, Rauch steigt auf. Es ist um 18:00 Uhr. Meine Nachbarin sagt, dass es ihr Spaß gemacht hat, mich kennenzulernen und fährt los mit ihrem Auto aus der DDR-Zeit.
Jetzt kommt eine Gruppe von Leuten aus dem ägyptischen Museum, die alle als Ägypter verkleidet sind. Zuletzt im Zug sind zwei Mädchen mit langen braunen Haaren in Zöpfen, vielleicht aus Syrien, die sind auch verkleidet.
@ YUP Festival. Kunsthalle Osnabrück – “Bürgergehorsam” Turm der Kunsthalle am 27.10.2018
Installatives elektro-akustisches Konzert mit begleitendem Leporello, Zickzackfalz 10-seitig, 390 mm x 100 mm, Samplr (Musik App), Dayton Audio Sound Exciter (aufsetzbarer Lautsprecher) und selbstgebaute Instrumente in der Reihenfolge ihres Erklingens:
„Zepter“ Näherungssensor/Kapazitätssensor. (Kupfer/Arduino) Das Gerät misst die Kapazität des Zepters, welches eine Hälfte eines Kondensators bildet, die Andere ist die Umgebung. Durch Änderung der Umgebung ändert sich die Kapazität und somit die Frequenz, mit der der Oszillator, welcher den Kondensator beinhaltet, schwingt. Das Gerät misst die Periodendauer (1/ Frequenz) und erzeugt digital einen Ton, welcher durch die Periodendauer “inspiriert” wird. Das Gerät erzeugt einen Ton, welcher durch die Kapazität beeinflusst wird. – Max Schöpflin „Lyra-Trommel“ (Stahl) Paukenschlägel (Aluminiumfolie/Mutter/Stahl) Metallblech 65 cm x 84 mm (Aluminium) „Sängerin“ Beleuchtungsteil aus einer Leipziger Passage die veraltet und ausgetauscht geworden ist (Aluminium) Aluminiumfolien Streifen 100 cm x 2 cm
Das 12-minütige Stück ist teilimprovisiert mit strengen Zeitangaben. Der Fokus liegt auf dem Überlagerungs-Aspekt des Tons. Der Sound bewegt sich abwechselnd von der Klangerzeugerin (mir), hinter die Klangerzeugerin, wo sich das Metallblech befindet, hinter das Publikum und wieder zurück hinter die Klangerzeugerin. Die Überlagerungen des Sounds vermischen sich ineinander und bilden eine epische Raumwirkung.
Sound-Reenactment of Evelyn Richter’s photo “Selbtsinszenierung” (in her studio at the TU, Dresden, 1952)
An installative electro-acoustic concert
2017-2018
Premiere @ Women* In Action Day on 23.09.2017 in Leipzig
@ an_archiv, marking the 20th anniversary of the HGB university archive, Leipzig
Opening concert on 15.02.2018 at 20:00 in room 1.34 (Audiolabor)
Matinee concerts on 16.02., 17.02., 18.02. at 17:00 in room 1.34 (Audiolabor)
An installative electro-acoustic concert with accompanying Leporello, 10-sided zigzag fold, 390 mm x 100 mm, self-made metal table, Samplr (music app), Dayton Audio Sound Exciter (attachable speaker) and self-made instruments in the order of their sounding:
Out-dated lamp parts and bulbs that have been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium and Glass)
„Lyre-drum“ (Steel) Timpani mallet (Aluminium foil/Nut/Steel) Two case parts (Aluminium)
„Scepter“ proximity sensor / capacitance sensor. (Copper / Arduino) The device measures the capacity of the scepter, which is one half of a capacitor, the other is the environment. Changing the environment changes the capacitance and thus the frequency with which the oscillator, which contains the capacitor, oscillates. The device measures the period duration (1 / frequency) and digitally generates a tone that is “inspired” by the period duration. The device generates a sound that is influenced by the capacity. – Max Schöpflin Out-dated „Singer“ lamp part that has been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium) Metal sheet 65 cm x 84 mm (Aluminium) Aluminium foil strips 100 cm x 11 cm Metal sheet 29 cm x 42 cm (Aluminium)
„Ladder“ 240 cm x 55 cm (Steel) Two Piezo microphones Jazzbrush (Copper / Steel) Ten pieces of bottle caps Steel plate 40 cm x 25 cm Cutter (Steel) Hanger (Steel)
The 25-minute piece is partly improvised with strict time specifications. The focus is on the spatial aspect of the sound. The sound moves alternately from the sound producer (me), behind the audience, to the sound producer, where the installation is located. Partly, the sounds mix together and form a cacophony. This leads to disorientation, among other things.
During an introductory seminar in the HGB in 2011, Prof. Julia Blume showed a photo that awoke my interest. The author of the photo is Evelyn Richter, a former student of the HGB. For me, this photo already seemed to make music. I thought it was a kind of concert performance. The figure in the photo stands upright, with much inner tension and great will. I saw her as a medium for music. When reviewing the photo, I wanted to find out how I can create sounds from the objects or develop instruments from them. The photo works as a catalyst to find new instruments. I wanted to re-read the photo with metal instruments.
For the premiere on 23.09.2017, I made a costume. Departing from the photo and putting importance on wearing colors like white and aubergine red. I sewed a hat, inspired by the hats in Armenian folk dance, with two artificial braids. Afterwards, when I saw the result in September I realised that my costume looked like an Afghan nomad dress. When viewing the photo at the end of the year, the person depicted seemed scary to me. Something is uncanny – to the point of something unspoken. She reminded me of Sun Ra and Laurie Anderson, who both use their music as an utopian and transformative grammar to arrive on a different level.
According to Susan Sontag, subjects gain pathos when photographed. During the research process, I saw Maryam Sahinyan’s studio photos. In her photo studio the background never changes and there is only one carpet as decor. People have great deal of freedom to stage themselves in front of the camera / or to become an image themselves. As a child, I had made this surreal experience in my father’s photo studio. Later, I found out that the author of the photo lives in Dresden, from several sources. I decided to contact her to find out more about the photo.
Re-enactments are usually happenings or events with a course of development. The photo “Selbtsinszenierung” is a capture of a moment and demonstrates “I was there”.
The sounds in the concert are, however, inherently immaterial and moving. Sound is time. When I met the author, among other things, I learned that the photo was present at all her exhibitions during the GDR era. After the visit, I wrote a text “Visiting Evelyn Richter on 04.01.2018 in the Anthroposophical retirement home „Christengemeinschaft Rudolf Frieling“ in Dresden”, about my experience.
The Leporello, which serves as accompanying material for the concert, contains excerpts from my text and several collages, from Evelyn Richter’s photo “Selbtsinszenierung”, the development process of the score, the documentary photo of the premiere and the self-made costume.
@ YUP Festival. Kunsthalle Osnabrück – in the tower “Bürgergehorsam” on 27.10.2018
An installative electro-acoustic concert with accompanying Leporello, 10-sided zigzag fold, 390 mm x 100 mm, Samplr (music app), Dayton Audio Sound Exciter (attachable speaker) and self-made instruments in the order of their sounding:
„Scepter“ proximity sensor / capacitance sensor. (Copper / Arduino) The device measures the capacity of the scepter, which is one half of a capacitor, the other is the environment. Changing the environment changes the capacitance and thus the frequency with which the oscillator, which contains the capacitor, oscillates. The device measures the period duration (1 / frequency) and digitally generates a tone that is “inspired” by the period duration. The device generates a sound that is influenced by the capacity. – Max Schöpflin „Lyre-drum“ (Steel) Timpani mallet (Aluminium foil/Nut/Steel) Metal sheet 65 cm x 84 mm (Aluminium) „Singer“ Out-dated lamp part that has been replaced from an arcade in Leipzig (Aluminium) Aluminium foil strips 100 cm x 2 cm
The 12-minute piece is partly improvised with strict time specifications. The focus is on the layering aspect of the sound. The sound moves alternately from the sound producer (me), behind the sound producer, where the metal sheet is located, behind the audience, and behind the sound producer again. The layered sounds blend and form an epic ambience.
Danke an / Thanks : Dezentrale e.V., Max Schöpflin, Julia Blume, Peter Richter, Agnes Nguyen, Tina Bara, Nils Wange, Jeannette Brabenetz, Johannes Oestringer, Stéphane Querrec, Antoinette Belin, Max Schneider, Tobias Raayoni Last, interaction Leipzig e.V., Bettina Wija-Stein
Observations and interventions in Leipzig, focusing on invasiveness in the built environment.
The work is based on observations along an experienced border through Leutzsch/Plagwitz/Connewitz in western and southern Leipzig, where currently, a more or less visible struggle is going on between city developers and citizens.
This border is manifested by temporary, yellow traffic/contruction site elements, which are almost behaving territorially.
Site-specific installation on the east side coartyard of Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig during HGB Rundgang 2016
Cobblestones, white rope, wall
We provoked, and promoted a wound on what would normally be a solid and stable base. We altered the ground made out of cobblestones.
We wrapped the cobblestones in ropes and placed them carefully back into their original holes. One of them was placed prominently on the sidewalk, marking the outside. Two cobblestones: One also placed outside, right in front of the wall, and the other one on the other side of the wall. The rest of the cobblestones shaped a long two branched scar.
The “wound state” reveals the sand underneath the cobblestones and allows two different possible evolutions: A healing phase, through which the lived experience or even the pain could be integrated. Its reopening by pulling the stones out again, which implied a revision, a reawakening of the pain, where aggression and suffering would meet. Thus, the cobblestones had the potencial to be a stitch but also a weapon.
In any case, the wound offered the chance to build something new as a result of an interaction. The decision relied on the visitors, who transformed and manipulated the work. These interventions were revealed through time.
Für das Projekt „Orte, die man kennen sollte” waren wir als Teilnehmer aufgefordert, Orte der NS-Vergangenheit in Leipzig für ein Buch zu dokumentieren. Ein Buch, das von der Stadt Leipzig initiiert war.
Anstatt dokumentarische Bilder zu machen, filmte ich drei Fotografen während ihrer Exkursionen zu Gedenkstätten. Die Produktion der dokumentarischen Fotos, deren gewisse Subjektivität interessierte mich. Gleichzeitig geht es um meine Beobachtung des Beobachtenden.
Die Videostills in der Installation stammen aus dem gefilmten Material, das ich während dieser Exkursionen aufgenommen habe: Kleingartenanlage Johannistal, Denkmal für die Opfer des Massakers Abtnaundorf, Mittelschule und Zwick’sche Siedlung und Mitteldeutsche Motorenwerke (MIMO) in Taucha.
Die Installation besteht aus 32 Videostills und 32 Audio-Spuren. Jede Audio-Spur auf dem Touch Screen ist mit einem Videostill verbunden. Der Touch Screen als Audio-Archiv enthält Interviews, Gedichte mit den drei Teilnehmern und den Sound der Orte selbst. Aber gibt es einen Ort „für sich selbst”?
Wie geht man mit einer Gedenkstätte um? Welche Materialen findet man dort? Wie kann man den Ort finden? Wer erinnert an wen? Bewusst oder unbewusst trifft man als Künstler politische Entscheidungen und der direkte Bezug ist die Ästhetik und was für Werte sie enthält.
Während der Jubiläumsfeiern in Leipzig 2013 für Richard Wagner sollte Deborah Jeromins Kunstwerk, das die Form eines Bauschildes hat, am Richard Wagner Hain ausgestellt werden. Es wurde vorher mehrmals über die Jubiläumsfeierlichkeiten bei den Orte-Treffen der Gruppe gesprochen.
In einem Interview mit mir sagte Deborah, dass ihr Kunstwerk im besten Fall eine Fragestellung provozieren könnte und im schlimmsten Fall eine Reproduktion des Hains. Dieser sollte zur NS-Zeit zu einem nationalen Denkmal werden, Wagner war eine kulturelle Symbolfigur im NS. Wenn man nach dem Zweiten Weltkrieg diese Symbolfigur, die Werte, die dieses Konstrukt enthält, feiert, wird Wagners 200. Geburtstag seine Wiedergeburt als unpolitischer Künstler sein.
Deborah Jeromins Bauschild durfte nicht im Richard Wagner Hain ausgestellt werden. Die Stadt Leipzig hatte es verboten. Als Begründung wurde angegeben, dass das Bauschild „für Ratlosigkeit beim Betrachter” sorgen würde. In einer autoritären Email erklärte die Stadt Leipzig, dass die Wirkung des Kunstwerks nicht wünschenswert sei, „…Provokation hin, Intervention her… “, und empfahl der Künstlerin, „eine andere Form zu finden, die mit dem Ort vertraut macht”. Deborah traf daraufhin die Entscheidung, ihr Kunstwerk mobil zu machen.
Wer regiert heute den öffentlichen Raum in Leipzig? Der öffentlichen Raum wird durch die politischen Parteien, die Stadtregierung und Verwaltung und durch die wirtschaftliche Macht geregelt. Der Informationsstrom der Massenmedien, die Unterhaltungsindustrie sowie die Werbung nehmen viel Platz ein. Zeitgenössische Kunst hat einen begrenzten Platz. Im Rahmen der freien Kunst im öffentlichen Raum als Akteur selbstbestimmt handeln zu können, ist etwas, das man schützen muss!
Nach der Eröffnung der Orte-Ausstellung trieb mich ein Gefühl der Leere um. Ich fand es absurd, in diesem Verbots-Kontext an einer Ausstellung über die NS-Vergangenheit in Leipzig teilzunehmen. Wie kann es sein, dass gerade im Zusammenhang einer solchen Ausstellung ein Kunstverbot ausgesprochen wird? Für wen haben wir die Ausstellung gemacht? Aus dieser Dissonanz entstand eine neue Präferenz: die aktive Wahl, mein Kunstwerk von der Ausstellung aus Protest zurückzuziehen. Ich verstand langsam, dass die Arbeit von Deborah wegen ihrer Souveränität verboten wurde.
Eine Videointervention von Jakob Argauer, Danny Degner, Jakob Wierzba, Melody Panosian
27.01.2013
10.00 – 12.30
Live-Video-Übertragung, Leinwand 180 cm x 360 cm
Begleitende Publikation, DIN A4, 20 Seiten, Auflage 450
Jährlich am 27.01. lädt die Stadt Leipzig anlässlich des Gedenktages für die Opfer des
Nationalsozialismus zu einer Gedenkveranstaltung ins Neue Rathaus und zum Mahnmal in
Abtnaundorf ein.
Mit bereitgestellten Shuttle-Bussen fahren die TeilnehmerInnen vom Neuen Rathaus Leipzig zur Gedenkveranstaltung nach Abtnaundorf. Dort findet die eigentliche Gedenkveranstaltung statt, die mit dem Rücktransfer ins Rathaus, einer Schweigeminute, kurzen Redebeiträgen und einem Catering ihren Abschluss findet.
Am 27.01.2013 haben wir die Veranstaltung als Bestandteil des protokollarischen Ablaufs der
Stadt Leipzig in Form einer Videointervention, einer Publikation und eines Redebeitrags begleitet.
Dafür wurde ab 10.00 Uhr eine Live-Video-Übertragung vom Mahnmal auf eine in der Unteren
Wandelhalle des Rathauses installierte Leinwand projiziert. Zeitgleich waren damit im Rathaus die Vorbereitungen der Veranstaltung am Mahnmal, die Ankunft der Gäste, die Gedenkveranstaltung unter Beteiligung von RednerInnen und des Gewandhauskinderchores und die Abreise der TeilnehmerInnen nebst Abbau der installierten Technik zu sehen.
Während des Bustransfers haben wir eine Publikation verteilt, die sich als längerfristige
fotografische Beobachtung sowohl mit dem Ort des Mahnmals als auch mit seinem weiteren
Umfeld auseinandersetzt und das Vorgefundene jenseits von Ritualen des Gedenkens in seiner
alltäglichen Praxis sichtbar macht. Mit der Rückkehr ins Neue Rathaus hatten die TeilnehmerInnen die Möglichkeit vor die Live-Übertragung und damit vor das Bild des eben besuchten und bereits wieder geleerten Ortes zu treten. Vor diesem Bild des Gedenkortes mit allen Spuren der Veranstaltung und bei gerade einsetzendem Schneefall haben wir unsere Arbeit in Form eines Redebeitrags vorstellen können. Um 12.30 Uhr wurde die Live-Projektion abgeschaltet.
Wenn die Bilder Dinge sind, ist der Akt des Malens Etwas Anderes. Während der Ausstellung Other things verwendete ich die Galerie als Mal-Atelier.
Mich interessierte was ich zum Malen brauchte: Keilrahmen, Klebeband, Pinsel, Pigmente und so weiter. In meinen ersten Bildern sind diese Gegenstände Motive.
Other things als etwas anderes. Other things als kulturelle Einflüsse. Aber auch Other things wenn Malerei exotisch wirkt.
Der Regelmäßige Galerie-situation für Malerei ist die betrachtenden Subjekt und Kunstwerk als Objekt. Aber in erfahrung ist ein teil alle austellungen/ Galeriesituationen
Interaktiv.
Medienkunst untersucht die Werkzeuge und das Medium – die Handlung, die Zeit, den Raum und die Verwendung des Werks.
Der Besucher stellt Verbindungen zwischen den Objekten im Raum her und wird sich dieses Prozesses bewusst, da die Objekte aus verschiedenen Positionen erfahrbar sind.
Im ausgestellten Atelier erhält alles im Raum die gleiche Bedeutung: je größer es ist, desto mehr Abstand wäre nötig. Körperliche Beteiligung wird unvermeidbar. Der Besucher taucht in den Mittelpunkt ein.
Other things ist ein Raum in sich selbst und nicht von Dingen umgeben. Other things sind die Spuren des Besuchers, seine Position im Raum. Die Spuren des Arbeitstages.
Other things nähert sich einer performativen Situation. Die Bilder werden nicht autonom sondern bleiben Kreationen des Prozesses.
Meine Frage war, was ich mit der Malerei als Medium zu tun könnte und was macht ein offene atelier Situation mit dem Raum und umgekehrt, was hat den ausgestellten Raum mit den Gemälden zu tun.
What kingdom. Of all damn human. Animals. Nothing important
Objects, video installation, performance
2011
@ Spinnerei Leipzig
4 GB USB stick with 11 videos
The stick includes the floorplan of the performances and 11 preporatory videos with music by David Hamer Atlas, Anne Laplantine, Sean Cannock, DZR:P amongst other stars.
This collection of videos was played continously on my computer during the installation. Below the computer USB sticks, including price information. The music video King was shown during the performance.
“I need someone from the audience”. I put on King video on my computer. The audience member pours milk on me while I am upside down. I put coal on my feet and hands like chalk in sports. Acrobatics with legs and feet.
With my back to the audience, I put little red eggs in my swimsuit. Pink water runs down, mixed with the milk on the floor, it forms a pink little lake.
“I need someone from the audience, it concerns filming”. The audience member films the last 30 min of the performance. Cleaning up takes time.
Various interactions happen during the performance. Two performers from another show come in and I ask them to join.
